La mejor manera de ganar nitidez en tus fotos...

Lograr nitidez en nuestras fotos  es mucho más fácil de lo que crees.

Lo que realmente hacemos es lograr una mayor acutancia.

Acutancia es el mayor o menor contraste que podemos ver en una imagen, sobretodo en el límite entre una zona clara y otra más oscura. Así a mayor acutancia, es mayor la nitidez que percibimos en la imagen.

El ojo humano, es capaz de distinguir mayores detalles cuando el contraste es mayor.

Entonces, la mejor forma de mejorar la acutancia de una foto, es hacerla con una iluminación de costado. Con ello aumentamos la percepción de nitidez, y vemos mejores detalles.

 Y resulta para cualquier iluminación de costado? Yo diría si. Es lo mismo si separamos el flash de la cámara, claro que debemos cuidar que no se genere demasiado contraste, otro flash sería de gran ayuda.

Así que la próxima vez que decidas tomar una foto en exteriores, trata de hacerlo cuando el sol se encuentre de costado, mejorará notablemente la nitidez, sin cambiar el lente del kit que tanto nos sirve.

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Contar historias, lo genial de la fotografía....

Y cuento historias. La posibilidad de la fotografía es muy amplio.

Claro, dado el tiempo que llevo haciendo fotos, he adquirido experiencia a la hora de ver una escena que me llame la atención.

A veces es algo trivial, como la siesta del personaje de la foto, otras veces algo más elaborado.

Toparse con una escena que cuente algo, a veces es difícil, y no tanto porque no existan, sino porque no la vemos a simple vista, puesto que requiere entrenar el ojo un poco, y la forma de pensar en imágenes.

Sobretodo cuando fui principiante, jamás se me ocurrió que podría contar algo tan solo con una foto, o lo que es igual, hacer que el espectador se imagine una historia tan solo con una foto.

Pero se aprende, y una vez que se hace, ya no se vuelve atrás, se piensa y se ve en imágenes.

Con esto creo una obra para ti, para que estés feliz con el resultado, para que te sientas satisfecha, o satisfecho, y entiendas que esa imágen habla por ti. 

Recuperando fotografías antiguas

Restaurar una foto, un arte en sí mismo.

Cada restauración es una forma de arte particular, asimismo como se restauran las valiosas vasijas encontradas en Egipto.

Una foto para restaurar es un tesoro de una época anterior, quizás varios años atrás, que llega a mis manos. Y como tal es el proceso, delicado y detallista, para que emerja la nitidez y el contorno, muchas veces perdido por el paso de los años.

Si necesitas restaurar una foto, te aseguro, claro que previamente deberé chequear el estado de deterioro, una imágen reluciente después de pasar por "el taller".

Una de las cosas que me encanta de la fotografía es la de recuperar escenas pasadas, no dejes que se pierdan para siempre.

Si necesitas restaurar algunas de tus fotos, envíame un escáner de la misma a mi correo, y previo chequeo, te diré cuánto es posible recuperar.


fotografiasraulfg@gmail.com

Emocionar, fin último de mis fotos...

Fotografiar es más que el uso de una buena técnica, se trata de captar emociones, gestos.

Aprender la técnica es imprescindible. Saber componer es crucial para una buena foto, pero aprender a capturar emociones o gestos, que den algo que pensar al espectador, es algo único.

Mi tarea es que al menos alguien se pregunte, que hay más allá de la imagen? 

Sin embargo, mi gran oportunidad es que cuando veas mis fotos, te identifiques con la emoción que trato de mostrar, que supongas lo que el sujeto está sintiendo o pensando, al igual que lo hice yo. Y créeme, eso no es fácil.

Lee también: La fotografía como filosofía.

Tampoco imposible, requiere sintonizar mis propias emociones, sentirme exuberante detrás de mi cámara, y apasionarme por el momento justo de obturar.

Y lo más importante: disfrutar.

Si quieres conocerme más, haz clic aquí.

Te ofrezco una experiencia, más que una foto...

A veces necesitamos nuevas ideas para fotografiar.

Me encanta explorar nuevas formas de hacer fotos. Es una tremenda oportunidad de seguir aprendiendo, y de ofrecer otras alternativas a quien me contrate.

La idea es crecer fotográficamente hablando, y obtener nuevas ideas, sobretodo cuando paso por un período de sequía creativa.

El solo hecho de separar el flash de la cámara ya es innovar, pero requiere probar también, puesto que manejarme con la intensidad del flash es un poco engorroso al principio. Fotos sobreexpuestas es lo más que conseguí, hasta que aproveché el reto, y aprendí. Hoy me cuesta menos.

Ofrecer una experiencia más que una foto, es mi meta. Me preparo para eso. Tanto fotógrafo y fotografiado, deben disfrutar y conectarse. De seguro que es la instancia máxima que da como resultado grandes fotografías, y de eso quiero empaparme.

Revisa mi experiencia fotográfica aquí.

Apagando el fondo con la velocidad de obturación

Usando la velocidad de obturación, podemos virtualmente, apagar el fondo.

A veces deseamos que nuestras fotos realcen un primer plano iluminado, y un fondo oscuro, como apagado. Con una iluminación de costado, y siempre que ese fondo este cayendo hacia las sombras, es posible realizarlo, usando una velocidad de obturación alta.

Siempre que elevamos la velocidad de obturación, estamos en definitiva quitando luz ambiente a la escena. Si eso lo combinamos con las indicaciones del párrafo anterior, logramos una imágen como la que acompaña al post.

La velocidad usada fue de 1/500. Lo que estaba muy iluminado por el sol aparece claramente. Lo demás casi en penumbra. Una velocidad más lenta, habría mostrado el fondo más claro, pero de seguro que el primer plano estaría algo quemado, o podría compensar con el diafragma.

Convertirla al blanco y negro acentúa el efecto que deseaba lograr: un sujeto un tanto claro sobre un fondo oscuro.

Conocer como afectan a nuestras fotografías los parámetros que escogemos es crucial. Solo practicar nos asegura que lograremos lo que deseemos en nuestras fotos, la mayoría de las veces.

Realizar una foto macro y no morir en el intento

Has querido realizar una foto en que puedas ver algo que no es fácil a simple vista? Deberías pensar en la macro fotografía. Aquí te lo explico.

Macro fotografía es retratar un insecto, o un bicho, para después verlo en tu pantalla a todo tamaño. O algo pequeño, como un alfiler, por ejemplo.

No es tarea fácil, pero tampoco difícil, debes tener los elementos apropiados. Un lente macro vendría genial.

A falta de aquel, una buena idea es usar los anillos o tubos de extensión. Es lo que yo hago. Son anillos huecos sin ópticas, lo que hacen es reducir la distancia mínima de enfoque. Van colocados entre el lente y el cuerpo de la cámara.

Tienen varios inconvenientes, como no indicar la apertura que estamos usando, por lo que debemos generar un mayor enfoque acercando o alejando la cámara del sujeto u objeto. 

Puedes leer más sobre los anillos aquí.

En fin, haciendo acopio de nuestro amor por la fotografía, y de éstos anillos, mediante el aprendizaje del prueba y error, podemos crear maravillosas imágenes que nos extasiarán cuando las veamos.

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Salida fotográfica

He planeado una salida fotográfica para el día sábado  12 de julio. La idea es que vaya quien lo desee, que tenga ganas de aprender a usar la cámara en modo manual. Nos juntaremos en Viña, en la plaza México. Explicaré algunos conceptos, y empezaremos a tomar fotografias. De ahí caminaremos a la plaza que se ubica alrededor del casino.

El requisito, que deseo cumplan, es que sepan muy bien el manual de sus cámaras, porque trabajaremos directamente sobre los controles manuales de la misma, con el fin de dejar de usar para siempre los automatismos.

Debe ser a las 10 de la mañana, para que tengamos oportunidad de usar algo de la iluminación solar de costado.

En esta primera oportunidad veremos manejo de cámara y como realizar una buena exposición fotográfica.

Creo que estaría demás indicar que la actividad es totalmente gratuita, solo disfrutemos juntos de esta actividad.

Si te apasiona la fotografia tanto como a mi, entonces nos vemos ese día.

Mi revelado digital

Desde que me dedique más seriamente a la fotografía, he usado el formato Raw. Una de los inconvenientes es que necesita ser revelado digitalmente, y el uso obligado de software para ese cometido. Existen varios, mi cámara trae el suyo propio. Unos de pago, otros gratis pero con restricciones. Incluso en mi ipad tengo uno.

Y dado que necesito usar un revelador, llegué al Photoshop. Aunque es mucho más que eso.

Y he aprendido a usarlo, haciendo montajes y retoques. 

Nunca he sentido esa presión de que me mis fotos dejen de ser reales, por usar el retoque. Aunque no lo hago muy seguido, ni en gran cantidad, como para que resulte una foto irreal.

Tampoco siento que tranagredo alguna ley que me condene como fotógrafo.

Generalmente el uso del photoshop se asocia a engaño, muchos retoques hacen cambiar el escenario original, incluso a las personas.

Y como consecuencia de usarlo para el trabajo fotográfico, empecé a meterme en ese mundo también. A revisar tutoriales y a usar mis propias fotos en ellos.

En fin, uso el Photoshop para casi todo. Creo que un retoque bien hecho, nadie debería notarlo. 

En la foto de arriba, el gato está más saturado, tiene más color que el resto. Lo hice usando una máscara de capa, tono y saturación. Pero, el gatuno es el único que se afectó, lo demás quedó fuera para que mantuviera el color apagado, y no resaltara sobre lo otro.

Flash con gel

Esta escena no se ilumina solo con las llamas de la estufa. Hay un flash fuera del encuadre a poca potencia, que le da luz. Claro que tiene un gel rojo, que tiñe el ambiente para dar ese toque mecesario para la escena. 

Mi tutorial fotografía nocturna

Cuando voy por ahí, y me interesa una escena, y es de noche, no me amilano. Recurro a mis conocimientos para realizar la mejor foto que pueda, los mismos que paso a detallar.

Lo primero que hago es buscar el mejor punto de vista, el mejor encuadre, y que sea una bonita composición. Como es de noche tengo ya en la mente que deberé usar una baja velocidad de apertura, por lo que el lugar elegido deberá tener una superficie donde colocar la cámara, usando el temporizador, o espacio para el trípode si es que lo llevo encima.

Ya en el lugar que elejí, suelo usar la prioridad a la apertura, generalmente selecciono f8, aunque dependiendo de la escena, puedo llegar hasta f11. Y hago una primera medición, anoto el valor de la velocidad que me dará.

Enseguida, pasó al modo manual, coloco f8 y la velocidad que me dió la lectura anterior. Hago una primera foto y la observo. Si es lo que me imagainaba, dejo los parámetros tal cual, si no es así, dejo fija la apertura y empiezo a mover la velocidad, de acuerdo al resultado que deseo. En esta etapa no miro el histograma, es que no me sirve, puesto que me da una lectura de muy subexpuesto, aunque a mi ojo, la foto esté expuesta como la quiero.

Bien, hasta aqui tengo los parámetros que necesito.

Ahora, se hace necesario el uso de la superficie, o del trípode. El movimiento del cuerpo humano, arruinaria la toma. Mi cámara tiene bloqueo de espejo, por lo que lo uso, evitando que la vibración de éste, haga que la imagen salga trepidada. Y disparador remoto. En el caso de no tener disparador remoto, usar el autodisparador de la cámara.

Creo que después de todo lo anterior, viene lo más importante. Enfocar a la hiperfocal.

En efecto, todo lo que hicimos antes, fue para setear la cámara, y ubicarla sobre una superficie para evitar el movimiento y/o la vibración.

Entonces, lo que hago ahora es apuntar a la hiperfocal. Recordemos que la distancia hiperfocal, esta relacionada con la profundidad de campo. Al usar el punto hiperfocal, estamos haciendo que la mayor parte de la imagen salga nítida, tanto delante y detras del punto de enfoque. A ésta la afecta la distancia focal y el valor de apertura. Es un cálculo un tanto confuso, por lo que existen tablas que debemos consultar para conocer esta distancia.

Por ejemplo, a f8 y a focal de 18 mm, debemos apuntar a 1,3 m, para que todo salga nítido.

Entonces, una vez que ya he apuntado a esa distancia, cambio a enfoque manual, y no la muevo más. Asegurando la nítidez de la escena.

Solo queda hacer la foto, y disfrutar del momento.

Resumiendo:

1.- encontrar la escena a fotografiar, procurando una superficie para apoyar la cámara en caso de no contar con trípode,

2.- medir la zona usando prioridad a la apertura, cambiar a manual, variar la velocidad de obturación según lo deseado,

3.- usar la superficie, o el trípode, hacer fotos de prueba,

4.- apuntar a la hiperfocal, hacer las fotos finales.

En fin, esto es lo que hago cuando tomo fotos en la noche, claro que ahora es un poco más intuitivo. Estas ideas las he ido acumulando gracias a la experiencia y a la lectura obligatoria que me he impuesto.

La foto de arriba tiene los siguientes parámetros: f8, focal 18 mm, velocidad de obturación de 4 seg, sobre una superficie fija, con al autodispatador de 2 seg.

No olviden, si tiene dudas o alguna corrección o aporte, escribir a mi correo.

Una excelente fotografía y la cámara

Una vez más escucho eso de que tu cámara es "buena" por eso puedes sacar esas fotos.

Cuando era principiante, pensaba lo mismo, creía que al tener una cámara tremenda, podría tomas fotos como los maestros.

Nada más alejado de la realidad.

Un equipo costoso, con costosos accesorios, no aseguran el éxito. Eso no significa que sacaré mejores fotos, y que todos quedarán boquiabiertos mirándolas. Solo significa que tendré más "máquina", pero debo aprender a usar ese más.

Uno es eso, aprender al revés y al derecho como funciona. Y lo otro, ya es parte mía, aprender a hacer mejores tomas, mejorando la composición, uso eficaz de la luz, una buena exposición, entre otros aspectos.

Creo que una excelente fotografia es producto de solo un 10% del equipo que use, el otro noventa, correponde al buen juicio del fotográfo, y de lo que desee conseguir.

En fin, la fotografía también trata de desarrollar nuestros talentos. Aprendemos, y mientras lo hacemos, nos convertimos en mejores. A estas alturas considero una incultura decir que la foto es mejor porque tengo mejor cámara, no señor, es producto de todo lo que he aprendido, y de lo que, sin duda, seguiré aprendiendo.

La fotografía como filosofía.

Veo a la fotografía como algo importante en mi vida, y le he asignado, por esa razón, un paralelo con la vida real.

Antes usaba solo los automatismos, dejaba que la cámara hiciera todo el trabajo, yo no me adentraba en eso, ni tampoco aprendía. Eso es pasar la vida "en automático", dejando que los hechos de la misma ocurran, sin casi intervenir, y, por lo tanto, no siendo participes de aquellos.

Lo mismo pasa en la fotografía inicial. Vamos por ahi tomando fotos, dejando que la "máquina" lo haga todo.

Pero, las cosas cambian cuando decidimos aprender, cuando decidimos dejar de usar los automatismos, y aprendemos a usar nuestra cámara de fotos. En ese preciso momento, pasamos de ser un ente pasivo a un ser activo interviniente del resultado final. Le vamos dando nuestra impronta, nuestro propio carácter, como a la vida. 

Pasamos de ser meros observadores, a ser parte activa, con conocimientos, y ganas, de querer mejorar.

Estoy convencido que no aprendo fotografía, aprendo de la vida. Cada vez que me enfrento a una escena que tiene problemas para exponerla bien, necesito ese bagaje para decidir que hacer, necesito experiencia positiva para usar una apertura, o una velocidad. Es la única manera que resuelvo estos problemas.  Creo, por lo tanto, una foto bien expuesta, exquisita, es un problema que solucioné en la vida real.

Enfrentarme a escenas, sobre todo en la calle, requiere salir de mi zona de confort, por eso estoy aprendiendo a atreverme, puesto que sin duda tendrá su parangón en la vida real.

Así, voy creyendo en lo que llamo, una filosofía de vida. Crezco cada vez que hago una fotografía, crezco cada vez que me enfrento a una encrucijada en la vida. En las dos, fui principiante, y en las dos voy en camino a convertirme en una mejor versión de mi mismo. 

Y esto no para, cada vez estamos mas felices usando los modos manuales de nuestra cámara, nuestras fotos mejoran, son muy parecidas a como las imaginamos en nuestra mente, y muy parecidas a como las hacen los maestros. Cuando llegamos allí, es porque hemos recorrido el camino hacia ser mejores. Cada vez queremos obtener una versión mejor de cada fotografía, porque ya no somos los mismos de antes, ni los principiantes con cámara nueva.

En fin, la vida nos enseña, nuestro deber es aprender. La fotografía nos enseña, nuestras ganas aumentan.

Creo firmemente en la relación vida-fotografia, cada una se nutre de la otra, y me encanta pensarlo así.

Limitándo el haz de luz

Me encanta jugar con la luz y las sombras en mis fotos. Si puedo trato de tomar paisajes cuando el sol se encuentra a un costado, cerca del horizonte, ya sea en las mañanas, o en las tardes. Y si estoy en interiores, usar el flash separado de la cámara, me da mucha flexibilidad e inspiración. Aunque dispararlo con los triggers como lo hago, pierdo algunas funciones, no resultando, hasta el momento, críticas para mi.

El uso mas común que le he dado al flash es situarlo a un costado, y dispararlo contra el techo para que rebote sobre los sujetos, logrando una iluminación más uniforme.

Pero, existe una forma de limitar el haz de luz, si lo requiero. Como en la fotografía de este post. Deseaba que todo estuviera oscuro, menos la cara de mi hijita. Entonces, coloqué en el flash un snoot, que no es más que un tubo de cartón negro, con la misión de limitar aquella iluminación que se esparciría en caso contrario. Mientras más largo, más estrecho resulta el haz. Y creo que cumplió muy bien el objetivo.

Al principio se me hacía muy duro trabajar con el flash, no era capaz de controlar su luminosidad. Ahora hago ejercicios como éste, para seguir aprendiendo. Considerando que tenemos otras variables que también debemos aprender a controlar.

Asímismo, existen otras formas y artilugios diferentes, para controlar el haz proveniente del flash, que en definitiva nos dan más posibilidades y más control sobre la, a veces, esquiva luz.

Fotos distintas

Cuando voy por ahi a tomar fotos, trato que aquellas no sean tan comunes. Buscar en internet se hace necesario para revisar fotos de otros del lugar al que iré.

Una de las cosas que debemos hacer para diferenciarnos, es alejarnos de esas imágenes tipo postal.

Un ejercicio que recomiendo y que yo hago siempre, es buscar un ángulo diferente. Para eso le doy vueltas al objeto, con la intención de hallar ese ángulo. Tomo la cámara, miro por el visor, y voy probando.

Mi método consiste en acercarme, agacharme si es preciso, mirar bien por el ancuadre, dejar dentro lo que es necesario, y disparar.

Este ejercicio me ha dado cierta rápidez al evaluar una escena. Antes solo miraba y tomaba la foto, hoy me fijo más, me fijo en el fondo, en el primer plano, claro cuando hay tiempo para eso.

En fin, trato de hacer esto la mayoría de las veces.

Para muestra dos fotos que yo tomé, una que es mas general, y que quizás es más tomada por todos, y otra en que busqué un ángulo distinto.

Ahora que escribo esto, pensé en un inconveniente. Que la segunda foto deja fuera el contexto, no la situa en algún lugar, sino que la aisla. Mientras que la otra si le da un contexto, y para quien no conoce el lugar, se lo enseña.

Relaciones de color

Cuando vemos un color pocos los relacionamos a una longitud de onda que predomina, de acuerdo a eso es el color que percibimos. Pero, como fotográfos, más nos interesa saber combinarlos en nuestras imágenes para hacerlas interesantes.

El color tiene tres propiedas, tono, saturación, y luminosidad.

Cuando hablamos de matíz o tono, nos estamos refiriendo al determinado color, por ejemplo, el color rojo, en realidad el tono es rojo.

La saturación es la pureza de un tono respecto al gris. Al 100% de pureza, no contiene gris, en cambio al 0% de pureza, se convierte en gris, desaturado.

Y la luminosidad se refiere a la brilantez, es decir, a la cantidad de luz o sombra  que tiene un tono, representados por la adición de blanco o negro, respectivamente. Mas luz, o más blanco adicionado, más brillante. Más sombra, o más negro, más oscuro.

Bien, para que nuestras fotos sean realmente llamativas, debemos combinar los tonos con cierta armonía, recordando que ciertos colores se ven diferentes al juntarlos con otros. Por ejemplo, el rojo se ve distinto, si se combina con azul o con verde.

Y esta armonía viene dada por el uso de los colores complementarios.

 En efecto, a cada tono se le opone su complementario en la rosa cromática. Estos se intensifican mutuamente. Al mirar fijamente un color el cerebro se cansa, como defensa el ojo crea su complementario.

Entonces, siempre que podamos, debemos combinarlos de esta forma para crear imágenes más llamativas. Por ejemplo, sobre un fondo natural verde, le viene mucho mejor un objeto color rojo.

Ahora bien, si la misma rosa cromática la partimos en dos, a un lado quedarán los colores fríos, y al otro los colores cálidos. Y cada uno de ellos son percibidos de forma distinta por nuestro cerebro, algo que también podemos usar a nuestro favor al componer.

Los cálidos son la gama de rojos y amarillos, mientras que los fríos son la gama de verdes y azules.  Los colores cálidos avanzan, sobresalen. Los colores fríos retroceden, se repliegan.

Pero, también tienen una componente sicologica, como el rojo que puede significar violencia o pasión. Y el blanco que se asocia a la pureza. Grises como tristes, etc.

En fin, una buena manera de componer es usar los colores, sobretodo como lo he comprobado, cuando no hay mucha gama tonal en la escena entre luces y sombras. Una buena forma de crear contraste en esos días encapotados, es usando los colores.

Peso visual, contraste

Un objeto, o sujeto, que dentro de nuestro encuadre sobresale de los demás, crea un peso visual en nuestra foto. En efecto, aquel elemento, dentro de los otros que son iguales, o casi iguales, que es diferente, obtendrá mayor atención por parte del espectador. El consejo es siempre mirar el encuadre, buscar aquel elemento que se distinga, ya sea por color, tamaño, forma, contraste, etc, que siempre tendrá mayor peso visual que los demás. Y si lo combinamos con otra regla de composición, podremos extremar el resultado.

Aquel elemento diferenciador, se convierte en nuestro centro se atención, aquel que se llevará las miradas de los espectadores.

Líneas visuales

Cuando en nuestro encuadre hay objetos que llevan una dirección, es primordial dejarles espacio en su avance, debemos componer para que ese espacio se cumpla.

Mucha intensidad provoca el caso, de hacia dónde miran los ojos de una persona. Esto viene de nuestra curiosidad de saber que está viendo, haciendo que nuestros ojos sigan lo que esa persona contempla, creando una dirección muy fuerte en la imagen, resultado de la premisa de que si es importante para la persona de la fotografía, también lo es para el espectador.

Ahora, siempre pensando en una persona, la mirada puede apuntar hacia algo dentro del encuadre o fuera de el. Es interesante ver que si es la segunda opción, podemos crear una ambiguedad, o incentidumbre, al quedar como un tema no resuelto, generando tensión, y haciendo que el espectador cree dudas en su mente, respecto de aquello que observa. El fondo de la imagen, muchas veces servirá para disminuir esa duda, al aportar mayor información respecto al tema central de nuestra fotografía.

4 pasos para convertirte en un fotografo genial...

1.- aprende a mirar tu entorno en modo analítico, y preguntarte, cómo se vería en una fotografía?

2.- aprende a componer tus imágenes

3.- lee el manual de tu cámara, y apréndelo al revés y al derecho

4.- aprende a usar tu camara en modo manual, deja atrás para siempre los automatismos.

Curvas

En el caso de las curvas, sostengo que existen dos formas de componer con aquellas.

Primero, como una curva en S, en que el objeto u sujeto debería ubicarse al final. En efecto, la curva en S guía al ojo de una forma más sutil, que la diagonal, puesto que ésta úitima lo hace de una manera más enérgica. Prorciona sutileza y delicadeza al encuadre.

Segundo, la línea curva, que generalmente la vemos como la mitad de una circunsferencia, sin estar cerrada. Ésta cita su centro de interés en el lado cóncavo de la misma, restando importancia al lado convexo. Es decir, nos importa ver que hay dentro de esa mitad de circunsferencia, que la de afuera, y la explicación estaría dada por la percepción de nuestro cerebro de verla como una circunsferencia.

Diagonales

Estas líneas introducen mucho dinamismo a nuestras imagenes. Expresan dirección y velocidad de forma incluso más intensa que las verticales. Transmiten vida y actividad porque representan una tensión no resuelta, con su posición inestable dentro del encuadre. Recordemos que las líneas horizontales o verticales, pueden convertirse en diagonales dependiendo del punto de vista.

Con el uso de las líneas diagonales, es fácil guiar el ojo del espectador.

En la foto de más arriba, el zigzag que produce la unión de varias diagonales, lleva al ojo hacia uno de los tantos miradores que existen en Valparaíso, Chile, orientados al mar.

Zona clara reducida sobre fondo oscuro

Cuando el rango dinamico de la escena es muy amplio, algo debemos sacrificar.

Estemos de acuerdo que, en pocas palabras, una gama amplia de la escena se procuce cuando hay mucha diferencia entre luces y sombras, que el sensor de nuestra cámara no es capaz de reproducir, muchos pasos de luz entre unos y otros.

Hay varias formas de enfrentar estas escenas.

En la foto de arriba, usé la medición puntual sobre la persona. Es que ya había decidido que ella estuviera bien iluminada, puesto que el fondo no me interesaba. 

Y el resultado creo fue mas que favorable. Ella resplandece sobre un fondo oscuro.

Componiendo en triángulos

En fotografía, a diferencia de otras artes, los elementos gráficos siempre representan algo que ya existe en la realidad. La disposición de ellos en nuestras imagenes, tiene directa relación con la composición, y dependerá en gran medida de lo que desee comunicar el fotográfo. Una de las formas que tenemos de organizar los elementos dentro del encuadre, son los triángulos, que pueden verse influidos por el contenido, y por nuestra comprensión e interés, sobre el sujeto u objeto a mostrar. Claro, hay otros elementos también, a los que podemos recurrir al momento de componer nuestras imágenes.

El triángulo es una forma con tanta fuerza inherente que resulta natural a la vista, siendo geométricamante muy básico.

Podemos crear en nuestras composiciones, dos clases de triángulos, aquel que esta implicito en la imágen, bastando solo la organización de tres puntos; y por convergencia, donde es necesario que dos puntos convergan en un punto de fuga.

Es importante usar los triángulos como una forma de ordenar una imagen o para organizar los elementos que se van a fotografiar. Entregando sencillez y claridad.

La fotografia que acompaña a este post, fue tomada momentos después que una de las personas decidiera despedirse de los otros dos que quedaron en primer plano, formando lo que sería la base del triángulo. Fue necesaria una mezcla de anticipación y paciencia. De no haber esperado, los tres puntos, representados por las personas, tendrían una organización muy lineal.

Equilibrio simétrico

Resulta agradable al ojo, puesto que horizontalmente representa una superficie plana de soporte, en donde los elementos se ordenan de alguna manera, quedando todo a la misma distancia del centro de la imagen, teniendo todos ellos el mismo peso visual a ambos lados, sin que ninguno de los dos predomine más.

Como ciertos sujetos no son naturalmente simetricos, muchas veces deberemos lograr que eso suceda, componiendo la imágen final de acuerdo a ello. Es así como la fotografía de arriba, tuve que variar el punto de vista, para que el bote de la derecha, que es encuentra en el mar, apareciera frente al de la izquierda, que se encuentra encima del muelle, de no haberlo hecho así, el resultado final podría haberse visto como un fallo, al no encontrarse alineados.