ISO alto

Hasta hace muy poco, siempre tuve problemas para usar un ISO alto, es que tenía muy internalizado el tema del ruido y lo mal que le hace a nuestras imágenes. Pero, poco a poco lo estoy usando, sobretodo en lugares con algo de iluminación.

Hablo de ruido en digital, que se compara al ruido que generan las fotografías tradicionales.

Aunque las cámaras de hoy, funcionan muy bien a isos altos, evitando gran cantidad de ruido que puede perjudicar una buena toma. Además, existen programas que nos pueden ayudar a "limpiar" nuestras fotos.

Pero, convengamos también, que en ciertos casos, ese ruido puede ser parte de la composición, y es nuestro gusto dejarlo tal cual, de forma creativa.

Por lo que puedo ver, el ruido se nota más en la claridad, en los tonos claros, es que los negros son negros con ruido y todo. Los tonos claros hacen que se reflejen esos "granos digitales".

La foto que acompaña al post, fue tomada a iso 3200, es lo máximo que se obtiene en mi 500D (no he probado forzarla a 6400), y creo que salió muy buena. Eso si, afectó un poco en la temperatura de color, porque aprovechó las pocas luces que habían, pero le dan esa atmósfera nocturna, tal como la quería. Todas las personas que muestran su cara, en la imágen, es posible reconocerlas, ninguna cae a la oscuridad total. Claro que fue hecha en Raw, así que pude manejar de una manera más fina los parámetros de la misma, incluyendo borrar un poco de ruido. En general, considero que quedó muy bien.

Así que ya lo estoy usando más en mis fotografías, he perdido el miedo, aunque tengo mesura y no lo elevo a destajo, estoy aprendiendo a mirar la escena, y saber si requerirá un tremendo ISO.

Fotografía de la Estación Espacial Internacional ISS

En la noche de ayer me apresté a tomar una foto del paso de la estación espacial internacional, por los cielos de nuestra región. Como es mi costumbre averigue en internet, algunos tips con la intención de saber como afrontar esta tarea. Un amigo fotografo me indicó algunos conceptos para que me resultara de mejor manera. Me preparé desde temprano, puse el trípode, el disparador remoto, bloqueo de espejo, y me senté a seguir su paso a través de la Nasa en mi ipad. Había una tremenda luna, lo que me hizo pensar que tal vez me perjudicaría, dado el tremendo resplandor de la misma.

Me situé de tal manera que la luna estaba a mi derecha. Cuando era el momento de que se estuviera viendo, según el seguimiento en vivo a través de internet, empecé a buscar por frente a mi, pero estaba en un error, como no tenía brújula, ni se me ocurrió activar el gps de mi celular, no lo encontraba. Me di la vuelta, para revisar a mis espaldas, y comprobé que venía "subiendo" hacia el cielo oscuro, un punto de luz que se movía muy rápido, supe de inmediato que era la ISS. Así que apunte con la cámara y tome una primera foto, pero me salió todo desenfocado. Icé el trípode, con cámara y todo, y apunte a la estación para enfocar (después puse enfoque manual). Una vez hecho esto dispare de nuevo, me salió mucho mejor. Después, gradué la velocidad para que me saliera la estela de luz, y me puse a fotografiar. Conseguí una secuencia de 6 fotos, pero la mejor según yo, es la que acompaña a este post.

El paso por los cielos de la ISS, es rápido, pero no tanto como para enfocar, graduar la cámara, y tomarle una foto. Hasta podría usar el zoom, yo creo que se obtendría una buena imagen. Por lo menos, en este lado del mundo.

En fin, este fue mi periplo para fotografiar la estela de la ISS. Espero hacerlo en una próxima oportunidad y que me resulte mejor.

Los datos de la toma son: ISO100, f3.5, vel 15 segundos, focal de 20 mm. Exposición manual, con trípode, bloqueo de espejo y disparador remoto.

Separando del fondo

A veces la luz del sol, esa misma que en otras ocasiones nos molesta y no nos agrada, puede ser de gran ayuda en nuestras fotografías, cuando la combinamos con la luz del flash, por ejemplo.

Como en la imágen de arriba. 

Expuse para el ambiente, por lo tanto el sujeto del primer plano, el coche y la bebé, aparecían demasiado oscuros. Así que con un flash situado al lado izquierdo, pude levantar las sombras.Y el sol, a modo de luz de relleno, que venía desde la derecha y arriba, hizo que el sujeto se separar del fondo y demarcara su contorno claramente, como puede apreciarse. Incluso da la sensación de que se coloco allí con el photoshop.

Debemos aprender esta técnica, pues siempre nos dicen que el sol aplana las imágenes y a cierta hora del día no nos sirve. Yo diría: ojo, si la combinamos bien con otro tipo de iluminación, lo podemos usar a nuestro favor.

En la imágen, en realidad, hay dos exposiciones. Una para el ambiente, y otra para el sujeto del primer plano. La primera la logro con la cámara en manual, y la segunda con el flash, que vendría siendo mi luz principal, lo que la hace estar llena de detalles.

Bueno, experimentando podemos lograr lo que queramos.

Controlando la luz

Fotografía significa escribir con luz, de ahí la importancia de aquella, y la necesidad de aprender a controlarla, o por lo menos, saber que efectos produce si entra mucha, o poca, al sensor de la cámara.

En efecto, cada vez que hablamos de sobreexposición estamos diciendo que entró demasiada luz al sensor, por lo que un buen porcentaje de la escena estará quemada, sin detalles. Por el contrario, si entra poca hablamos de subexposición y tampoco tendremos detalles en las sombras, estarán empastadas, muy negras. Y para que ninguna de estas condiciones nos aparezca, debemos controlar exactamente la luz que entre al sensor, salvo que queramos hacer algún efecto y las usemos de adrede. Esto vale cuando usamos el modo manual, ya que los demás modos, la controlan de manera automática. 

Entonces, cerrando o abriendo el diafragma, o usando una velocidad más lenta o más rápida, estaremos controlandola, da lo mismo, por ahora, por donde la regulamos, lo importante es que debemos mover cualquiera de los dos, y así evitar los errores que mencioné más arriba, de este ejercicio se desprenden los términos bajar o subir pasos de luz, que explicaré en otra oportunidad.

Ya, estamos claros, si el histograma de la cámara está muy pegado a la derecha tiene mucha luz, si está hacia la izquierda le falta, y cómo lo solucionamos, moviendo la velocidad o la apertura.

Pero, el hecho de mover aquellos parámetros, y esto es lo realmente importante, tiene sus costos, mejor dicho, tienen como consecuencia efectos que talvez no queremos, por lo que se hace necesario discriminar cual usar.

Por ejemplo, nos falta luz en una escena en que el sujeto se mueve, y debemos tomarlo lo más estático posible, entonces no debemos mover la velocidad, porque saldrá movido, hay que mover la apertura. Por el contrario, nos sobra luz en una escena que tiene la PDC que necesito, no puedo mover la apertura, la estropearía, entonces ajusto la velocidad.

En realidad, los momentos en que deberemos determinar cual usar, serán un poco más complejos que los mencionados, puesto que lo hago más didáctico y más simple, hasta muchas veces deberemos usar trípode u otros elementos, espero que lo principal se entienda, puesto que al usar uno u otro, tenemos consecuencias distintas, y en base a esas consecuencias determinamos cual mover. 

Me podrían indicar que mover el ISO también serviría, pero eso es otro tema, puesto que no manejo la luz que entra al sensor, sino que su sensibilidad, por lo que lo menciono aparte, además tiene el inconveniente que le agrega ruido a la fotografía. De nuevo pagamos un costo, fotográficamente hablando.

Fotografía y profundidad de campo

Cada vez que queramos resaltar algo en nuestras imágenes, e indicarle al espectador dónde mirar, o entregarle un mensaje claro de lo que queremos mostrarle, usaremos un recurso fotográfico que es muy fácil de aplicar: la profundidad de campo. Y ésta se define como la parte más nítida de la fotografía, por lo menos que nuestro ojo ve nítido.
Ok, ya sabemos que es y para qué sirve, pero también debemos saber que para realizar una buena profundidad de campo (PDC), intervienen tres factores importantísimos, que, a la hora de apretar el disparador de la cámara, determinaran si la hemos realizado bien y el foco se encuentra donde queremos –cuando hablamos de foco nos referimos a la parte que se verá nítida-. 
Y estos tres factores son: la apertura del objetivo, la distancia focal, y la distancia al elemento. No las indico en algún tipo de orden, ya que las tres son importantes, y debemos tenerlas muy en cuenta, y aprenderlas.
La apertura del objetivo: mientras más cerrado el objetivo, mayor será la PDC.
La distancia focal: mientras más pequeño el objetivo, mayor será la PDC.
Distancia al elemento fotografiado: mientras más cerca menor será la PDC.
En la fotografía de arriba, la idea era que la carita de mi hija saliera a foco, por lo tanto, debería estar dentro de la PDC que yo determinara. Lo demás debería salir desenfocado, pero no tanto, para situarla en el contexto de la habitación. Recordemos que con un  desenfoque muy pronunciado atrás, y con algunas luces podemos llegar a hacer lo que se conoce como bokeh. El espacio era pequeño así que debía esforzarme para conseguir un desenfoque al menos presentable atrás y por delante de ella. Usé una apertura de f4, muy abierto. La distancia focal era de 28 mm, y la distancia a ella era pequeñísima como 80 cm. Estos parámetros ayudaron a conseguir una PDC pequeña, una parte se ve nítida y otra desenfocada.
Es preciso mencionar que los gran angulares tienen una distancia focal muy pequeña, valores entre 18 y 35 mm, hacen que todo lo que se vea con aquellos salga a foco, es decir, nítido, por eso son recomendables para paisajes. De la PDC nace otro concepto que hablaré en una próxima oportunidad, la distancia hiperfocal. Por ahora hemos aprendido a generar dentro de la fotografía, una parte nítida y otra desenfocada. Como siempre, practicando este recurso mejoraremos nuestras fotografías.

Qué es Jailbreak y porque no lo hice

Desde que me compré el Ipad, empecé a pensar en el Jailbreak, y de como podría realizarlo para desbloquear mi tablet. Y pensé mucho, busqué información, pregunté a varios amigos y conocidos, y para ser sincero, todos me decían que lo hiciera. Así, investigando y leyendo, encontré la mejor definición de un Jailbreak: "habilita nuestro iphone (ipad) para que podamos instalar lo que se nos de la gana en el". En efecto, liberarlo permite hacer cosas en el software, que no se podrían hacer sin el Jailbreak. Pero, entendí también que sirve para instalar aplicaciones, que son de pago en el appstore, en forma gratuita. Y bueno, al parecer todos buscan eso, poder sortear las barreras de Apple, no pagar, y prácticamente hurtar algo que un desarrollador ideó. 
Aunque, hace tiempo atrás era más beneficioso, puesto que se podían instalar aplicaciones que hoy ya vienen por defecto en los aparatos, y creo que ahí si valía la pena. 
Pensando en todo eso, sin ser un puritano en el asunto, es que decidí no hacerle el Jailbreak a mi Ipad2, para mi funciona bien así, no necesito desbloquearlo de alguna manera, ni cambiar el interfaz, ni adornarlo con aplicaciones que quizás no sean del todo funcionales, a pesar de todas las voces que se alzan para mencionar al jailbreak como una más de las maravillas. Y bueno, cada uno sabe, cada uno decide, y yo decidí mantener mi tablet tal como está, comprando, por pocos dolares, las aplicaciones que necesito y que me son funcionales. Tampoco digo que está del todo mal, total es fácil hacer Jailbreak y tenemos todos los programas a la mano, y los videos que nos enseñan. 
A lo mejor aprendo otras funcionalidades del Jailbreak más adelante, y cambio de parecer. Entonces, si realmente lo necesito, lo hago, pero por el momento no me convence.

Gitanos en el Metro Valparaíso

Cada día viajamos en el Metro desde la estación Bellavista hasta Quilpué, unos días con vagones más llenos que otros, pero que vale la pena pues el tiempo de viaje corto entre estas ciudades, compensa el ir de pie o “achoclonados”. Así uno desea ir viajando en paz hacia su destino.

Pero, esta paz se ve quebrada por las personas que se suben en las distintas estaciones a cantar, o a hacer alguna “gracia”, con la finalidad de obtener algunas monedas. Y bueno, son personas que se ganan su sustento, por lo que entonces entramos en juicios de valor para decidir qué es lo más justo, si mi comodidad en el viaje, -para eso pago-, o en el bienestar del cantante al recibir su moneda. Y diferentes personas podrán tener un juicio distinto, hasta se hacen defendibles cada una de las posturas. Pero, insisto, yo lo único que deseo, en mi viaje diario en tren, es ir descansando de un día agotador, quizás conversando algo agradable con mi pareja, o escuchando canciones en mi teléfono, o simplemente meciéndome por el vaivén del tren, pero tranquilo.

Ya!, eso es una cosa: los cantantes y personas que a viva voz muestran su arte. Pero, que se suban los gitanos, hediondos, medios drogados, y de a tres, eso, ya es algo muy distinto. En efecto, ya antes había visto niños gitanos, cantando algo muy mal entonado, una canción gitana de seguro, y después pidiendo monedas en un tarro. Lo de ayer ya era como muy fuerte, uno de aquellos gitanos, -eran jóvenes-, llevaba una botella, que en una oportunidad aspiró y guardo en su bolsillo, hablaba en su idioma con los otros, cantaba algo, pasaba un papel, y pedía dinero. Pero, lo que más molestaba era que iban muy hediondos, a cuerpo sucio, a humano desaseado, esos olores que ya uno ha erradicado de su vida, por lo que olerlo causa una repugnancia terrible, de hecho muchas personas se bajaron del tren, yo hice lo propio. En el siguiente, para variar, ya iba un tipo cantando regeton (sic), y del vagón anterior venía un trío folclórico que no pudo cantar pues se toparon con el del regeton (sic).¿?

Con un poco de rabia por ver mi viaje interrumpido, entré a la página web del Metro y descargué el “Reglamento de usuario del Metro”, en el que específicamente se indica:

Artículo 38º

Se prohíbe a los usuarios de Metro Valparaíso:

1. Descender a las vías e ingresar a los túneles o zonas señaladas como de acceso prohibido.

2. Traspasar las líneas de seguridad de los bordes de los andenes en ocasiones distintas al

ingreso o descenso del automotor.

3. Traspasar los torniquetes sin validar el respectivo ingreso o salida desde la zona paga.

4. Impedir el cierre de las puertas de los automotores o intentar abrirlas fuera de los casos

autorizados.

5. Hacer uso sin causa justificada de cualquier mecanismo o dispositivo de emergencia

ubicado en estaciones o al interior de los vehículos ferroviarios.

6. Manipular los mecanismos de apertura o cierre de las puertas destinadas para el uso

exclusivo del personal de Metro Valparaíso.

7. Correr por el interior de los recintos de estaciones o al interior de los automotores.

Sentarse en las escaleras de acceso a los andenes. Sentarse en los bordes de los andenes.

8. Asomar parte del cuerpo o cualquier objeto fuera de los vehículos ferroviarios.

9. Utilizar aparatos de sonido o instrumentos musicales de forma que ellos causen molestia

a los demás usuarios de los servicios.

10. Realizar en recintos de Metro Valparaíso presentaciones o manifestaciones sin la

autorización previa de la Empresa.

11. Ingresar a las estaciones, vehículos ferroviarios, o recintos de Metro Valparaíso ingiriendo

alimentos, golosinas y/o alcohol.

12. Ingresar a las estaciones en estado de intemperancia o en estado de ebriedad.

13. Arrojar desperdicios, escupir u orinar en cualquier recinto de Metro Valparaíso, incluidos

los automotores.

Por lo tanto, me nacen preguntas de cómo esas personas, en esas condiciones, subieron al tren. En cada estación hay funcionarios del Metro que “vigilan” que uno efectivamente pasé la tarjeta por el lector, acaso no se fijaron cuando subieron los gitanos, y en general, los cantantes? Claramente en este caso se infringieron dos prohibiciones, pero nadie se da cuenta de eso? Y bueno, creo que los cantantes y demases, debes ser archiconocidos por los trabajadores del Metro, por lo que sin duda se deben dar cuenta cuando ellos suben.

Coincido, con quien piense que si se sube un artista, mujer u hombre, y cante melodiosamente algo agradable, se le pueda dar una moneda, pero en todos mis viajes no me he topado con alguno así.

Bueno, ahora por lo menos tengo el número de teléfono del metro que aparecen en su sitio web, así cada vez que pase por lo mismo, me volveré a bajar del tren y llamaré a los teléfonos que tengo para denunciar este hecho. Nada más puedo hacer.

Nuevamente la perspectiva

Nuevamente la perspectiva me ayuda para dar tridimensionalidad donde no la hay. Como la imágen, que en sí es plana, dos dimensiones, pero al tomar la baranda que se pierde hacia el fondo, le indica al cerebro que tiene una tercera dimensión. En efecto, estas son pistas visuales a las que podemos recurrir para crear fotos más dramáticas, un recurso que no debemos desechar cuando pueda hacerse, así le damos un toque distintivo a nuestra imágenes. Mas fotos aquí.

Cómo lograr una diferencia en nuestras fotografías

A veces cuesta tomar una foto y que impacte, o por lo menos que algo ocasione en los demás. Yo no tenía esa “habilidad”, pero he ido adquiriéndola a medida que tomo más fotografías y que tengo más práctica.

En este caso esperé el momento, para tomar una imagen diferente, es decir, tuve la paciencia y el tiempo para observar la escena y saber que quería sacar. Bueno, y es importante porque puedo lograr esas imágenes interesantes que harán que los demás la vean con agrado. Y cómo se hace?, con paciencia, para esperar el momento preciso, como en la imagen de arriba, en que el cartel aparece colgando de la máquina elevadora de atrás.

Y hacer esto cada vez que se pueda, trae el beneficio de ir logrando esa práctica, en que una sola mirada  me bastará para saber que poner en la foto. A modo de conclusión, seguir así me dará el bagaje necesario para convertirme en un mejor fotógrafo, así como cada otra pequeña cosa que practique.

La importancia del momento preciso

Una de las virtudes que debe tener el fotógrafo de calle es la paciencia. Debe saber esperar el momento clave de una secuencia para inmortalizarla, y así generar atracción en el espectador. Y a veces resulta que uno está mucho rato, y ha disparado muchas veces, y no ha dado con la que necesita. U otras puede que dé con aquella imágen en un momento. Pero, bueno esa es la gracia de estar en la calle, donde las papas queman, y traer una imágen de esas buenísimas. Yo he tenido pocos aciertos, debido principalmente a que no he tenido el tiempo suficiente para armarme de esa paciencia y me ha jugado en contra. Excepto en la foto de arriba, en que sí tuve ese momento, y pude concretar en una buena imágen del punto de vista narrativo, bueno, con la rapidez que necesito algunas veces, me despreocupo de la composición y otros detalles. El desenfoque de la persona en primer plano, que corre hacia mi, y pasa por mi lado, sitúa a la acción en el funcionario caído, que fue en lo único que me preocupé esa vez. En fin, una imágen interesante a veces se da en un momento, en otras cuesta, pero siempre se aprende algo, sobretodo a tener paciencia.

Photogene

Photogene, es un excelente programa, editor de fotografías, para mi Ipad. Funciona muy bien, incluso con archivos RAW, es capaz de realizar ajustes de exposición, de brillo, etc. Y de sacar de apuros cuando no traigo el Photoshop. Puedo seleccionar entre un numero limitado de resoluciones de salida, pero que no es limitante. Además, es fácil compartir la imágen resultante entre las distintas redes sociales. Tiene varios presets que hacen más fácil el trabajo. En fin, es un buen programa de retoque, que hasta el momento me ha sido muy útil, sobretodo cuando no traigo encima mi laptop. Eso sí, es de pago, y puede encontrarse en appstore de Aple.

Contraste de tamaños

Cuando fotografiamos algo grande, es muy importante revelar ese tamaño si queremos que nuestros espectadores puedan darse cuenta de aquello. Es así como en la misma imágen, debe ir algo pequeño y algo grande contraponiéndose. Eso pequeño debe ser conocido, todos debemos tener la idea de que alto es, como las personas en la fotografía de arriba. Entonces, como sabemos que una persona pudiera medir 1,70 metros, nos da una idea de cuanto pudiera medir el camión. De hecho puede verse que las ruedas son más grandes que las personas, así que el camión todo, es tremendo. Cada fotograma que hagamos es único, por eso debemos mostrar la mayor cantidad de detalle en aquel. Además, estaremos poniendo en práctica algo de composición, cuando se puede. Y lo más importante, estaremos entregando un mensaje claro, inequívoco, de lo que seguro hemos pensado, respecto al momento de disparar nuestra cámara.

Contraluz

Situarse frente al sol, taparlo con un objeto o sujeto, y tomar la fotografía, es la forma más fácil de obtener un contraluz. Este tipo de fotografía hace que se remarquen los contornos de los objetos, de las antenas, de la ciudad. En fin, de los queramos captar. Y yo creo que lo más espléndido de este tipo de imágenes, es mostrar la diferenciación con el fondo, esa separación que la da el sol de frente, o casi de frente, a la cámara. Nos ayuda a aprender, y a saber, cómo se relaciona la luz con el objeto, y como podemos manejarla tan solo variando nuestra posición. En resumen, son geniales los contraluces.

Los detalles de la toma son: apertura f7.1, velocidad 1/500, focal de 23mm, a ISO100, disparando en manual, con medición matricial, y apuntando a las nubes, procurando que aquellas salgan bien expuestas. Con esto último, lo demás saldrá un tanto subexpuesto, justamente lo que queremos lograr.

El momento

Caminando por la ciudad, a días de una fuerte lluvia, me topé con este notable momento. Es decir, para mi fue un "notable momento". Esta ave, acostumbrada al quehacer humano, dejó que yo tranquilamente esperara el momento justo en que toma agua de este pequeño charco, para plasmarla en la fotografía, dejándome ver todo lo maravilloso de estos segundos. Y la interpreté como un segundo exquisito en el pasar raudo de los que vimos la escena.

Tomar o hacer una fotografía?

Desde que empecé en este arte, he tenido la clara intención de superarme cada vez más. Y una forma de hacerlo es aprendiendo a hacer mejores fotografías. 

Pero, claramente existe mucha competencia, que me obliga a establecer un diferencial, un plus que me haga sobresalir como fotógrafo.

Lo objetivo es que ha proliferado el uso de las cámaras fotográficas, cualquier persona mantiene una y es capaz de tomar una fotografía, pero muy distinto es hacerla, y aquí radica la diferencia según yo.

Tomar una fotografía es llegar, situarse delante del sujeto u objeto, y apretar el disparador.

Hacerla implica usar mis conocimientos de exposición, de composición, y de iluminación, y darle ese toque que la hará diferente, y agradable al espectador. En efecto, recordemos que una fotografía es agradable cuando éste no la ve aburrida, ni plana, en cambio le resulta interesante, y hasta puede descifrar la historia que se quiso contar. Así un foto reportaje debe su éxito a que cada imágen es más llamativa que la anterior, y la que viene se espera con expectación.

Algunas veces, tengo muy poco tiempo para pensar en los tres elementos nombrados más atrás, pero aunque sean segundos, me he acostumbrado a usarlos, y estoy seguro que con la experiencia de cada día, hasta lo podré hacer inconscientemente.

Ya hace mucho tiempo que dejé de tomar una fotografía, hasta la más común, la más rápida, la hago, observo el entorno por el visor antes de apretar el "gatillo", y determino que debe estar y que no en el encuadre, cambio el punto de vista, etc,. Y cada vez que hago esto, aprendo a diferenciarme más de los que toman fotografías. 

Y para mi esto es importante. Si quiero vivir de la fotografía, si quiero establecer un antes y un después en mi vida de fotógrafo, tengo que, necesariamente, diferenciarme, como en todo negocio, o estaré perdido y no sobreviviré.

Y por añadidura voy ganando bagaje, sigo aprendiendo, sigo mejorando, y sigo aplicando lo que aprendo, con las claras intenciones de seguir mejorando.

Confiar en nuestro ojo y conocimientos

Se me ha hecho común tomar fotografías a la luna, es que durante estas últimas semanas es un tema común hablar de ella, desde que aparece en el firmamento, junto a dos planetas. Al principio pensaba que era difícil, y que para hacerlas necesitaba un gran equipo. Nada más lejos de la verdad. Uso mi lente normalito, un 70-300mm, pero hago acercamientos en el postprocesado de la misma. En efecto, con el Photoshop hago un reencuadre y un enfoque suavizado, y con eso logro el acercamiento que no obtengo de la cámara.

Empecé a usar la prioridad al diafragma en f8, pero después cambié a manual siguiendo en f8. No me confío, en esos momentos, del exposímetro de la cámara, puesto que si lo dejo correctamente expuesto, la luna sale sobreexpuesta, por lo que subexpongo dos pasos, y a veces más, para que la luminosidad de la luna no me arruine la imagen, y se puedan ver con claridad detalles de ella. Siempre uso trípode y disparador remoto, además de bloquear el espejo.

Lo interesante es estudiar la exposición de la imagen y ver que no se corresponde a lo que dice el exposímetro, el típico caso en que debemos confiar en nuestro ojo y en nuestros conocimientos.

De tantas fotos que le he tomado, ahora sé bien como tengo que exponer en manual, para que me salga correcta. Y de aquí parte todo, es decir, con una buena toma puedo hacer un muy buen postproceso, si no la tengo, ni siquiera lo que haga después la salvará.

Pero, aun así he tenido que acostumbrarme a ver como lo hace la cámara, puesto que la mayoría de las veces creí que era buena, pero una vez vista en el pc, ha sido otra cosa.

Y de paso aprendí un poco de astronomía, y de cómo varia la luna al pasar por sus diferentes estados.

En resumen, a usar el instinto en determinas fotos, y a practicar el postproceso en Photoshop con toda tranquilidad.

Luz de costado

Buscando una forma de explicar, la diferencia entre una luz de costado y otra frontal, se me ocurrió lo de la imagen que precede al post.

Quedemos de acuerdo en que separar la luz de la cámara, es hacer strobist, y que una iluminación en el mismo eje de la cámara es del tipo frontal. Ahora bien, ubicarnos de tal manera que el sol quedé en un costado, es una iluminación lateral, aquella que nos sirve para muchos fines fotográficamente hablando.

Entonces, con el Photoshop, escribí dos palabras iguales, pero a la primera le hice una sombra paralela, emulando  una iluminación a la izquierda, por fuera del encuadre, desde arriba. A la segunda le dejé tal cual.

Es fácil ver que la primera tiene más fuerza, más protagonismo, se ve con profundidad, a diferencia de la segunda, plana y sin dimensión. No digo que la segunda esté mala, se ve perfecta, pero no da tridimensionalidad, es decir, no contiene pistas visuales que hacen a nuestro cerebro ver tres dimensiones. Y para algunas fotografías que queramos hacer, esto puede ser muy importante.

Es por eso que empecé hace mucho a tratar de separar el flash de mi cámara, o a ubicar al sol en un costado, porque esa iluminación nos da mucha más ventajas.

Espero que les haya quedado claro el por qué de la iluminación lateral, soy un convencido que nos da muchas más satisfacciones, el usarla de esta manera.

División del encuadre

La división de encuadre, es una cuestión de proporciones. Provoca cierta respuesta en el espectador, y significa que cualquier elemento en una imágen, crea una división; como, por ejemplo, la línea del horizonte bien marcada. Pero, incluso un objeto pequeño contra un fondo vacio, como un punto, crea una división implícita. Estas divisiones son gratificantes. Implica situar objetos o sujetos, en nuestras imágenes para crearlas, y que permitan una relación definible entre aquellas. Su importancia radica en transmitir una sensación de armonía, algo que no puede parecer completamente obvio a primera vista, sin embargo hay principios físicos objetivos que contribuyen a esta armonía, que en este caso son geométricos, y que producen efectos predecibles.

La proporción áurea, inventada por los griegos, es la más conocida, está basada en pura geometría, y los fotógrafos casi nunca tienen la necesidad o la oportunidad de construirla. Otra proporción es la de Fibonacci.

Además, existen una amplia variedad de subdivisiones que obedecen a un cierto principio interno, y todas ellas tienen el potencial de crear imágenes interesantes. Sin embargo, en la mayoría de las fotografías el único planteamiento lógico es la composición intuitiva. 

También, se ha de tener en cuenta que dividiendo el encuadre en ambas direcciones se genera una intersección, que crea una ubicación satisfactoria para cualquier foco de atención.

 Bibliografía: "El ojo del fotográfo" de Michael Freeman.

La luna de ayer, detalles de la toma.

Hace tiempo que necesitaba fotografiar a la Luna. Pero, no encontraba la manera ni la inspiración, hasta que me decidí.

Hice varias pruebas, tomé muchas fotos, y concluyo que la mejor forma, y que me resultó, es la que paso a detallar:

Primero que todo, usé trípode y un disparador remoto, de cable. En las compactas, a falta de éste, se puede usar el temporizador. Además, para evitar el movimiento propio de la cámara al exponer, trabajé con el bloque del espejo.

Para el enfoque usé el automático, pues solo me preocupé de la Luna, con medición evaluativa, pude usar le medición puntual.

Focal de 300mm de mi lente EF75-300mm f/4-5.6. En las compactas se podría usar el zoom al máximo.

Un alcance eso sí, el formato en que tomé la fotografía es Raw, por lo que luego, puedo hacer un revelado de la misma y un recorte del fotograma, puesto que con la máxima focal, que usé, no alcanzaba a hacer una toma cerrada.

La velocidad fue de 1/5 segundos, a f16, con ISO 100 (así no genera tanto ruido), en modo manual.

He detallado como hice la toma, con la idea que se pueda repetir, por lo menos tratar, en una cámara compacta también.
Mi cámara es una Canon Eos Kiss X3 (500D).

Ubicación del sujeto

En cualquier composición en que se incluya un sujeto, debemos decidir dónde colocarlo para que armonice con el resto del encuadre. Recordemos, que cuando existe espacio libre alrededor, la posición del sujeto cobra vital importancia, por eso tiene que ubicarse conscientemente en un algún sitio dentro del encuadre.

Pero, una razón de peso para no centrarlo, es que se vuelve predecible y aburrido. Asimismo, una posición descentrada debe tener una razón, para que no resulte extraño, como la Ley de la mirada, por ejemplo, situar al sujeto en el encuadre al lado contrario hacia dónde va su mirada. Y esta posición descentrada adquiere más importancia cuando el sujeto se hace más pequeño.

A veces esta tendencia natural a descentrar el sujeto, puede, por razones especiales, romperse para hacer una toma de forma diferente, o porque obliga a hacer la fotografía de este modo.

Por otro lado, es deseable que el sujeto se encuentre descentrado solo para establecer una relación entre éste y el fondo, apareciendo más ligado con su entorno. Así, cuando ese entorno es significativo, cuando contribuye a la idea de la fotografía, vale la pena considerar descentrar al sujeto, para que ocupe solo un área pequeña del encuadre y el resto sea ocupado por el fondo. Si cerramos mucho el encuadre perderemos el interés de lo que queremos mostrar. 

Practiquemos a descentrar a nuestro sujeto, pero teniendo en mente la razón para ubicarlo en ese lugar del encuadre, estamos aprendiendo composición fotográfica.

Fuente: El ojo del fotógrafo de Michael Freeman.

Midiendo la luz

Cada vez que exponemos para una escena con luces y sombras, debemos de mejorar un poco la toma, y no llegar y apretar el botón. Es así que en esta imágen, y por la hora tarde del día, me permitió hacer lecturas independientes para determinar la mejor. En efecto, había luz, pero no era tan intensa, como lo es al mediodía, y esto se puede hacer. En otros casos definitivamente esta técnica no resulta. Lo primero que hice fue colocar en mi cámara, la prioridad al diafragma, usé f8, así podría obtener una mayor PDC, en medición puntual (mide la luz en un 5% de la escena). Al medir sobre la luz obtuve una velocidad de 1/200 seg, y sobre las sombras 1/40 seg. Si hubiera usado cualquiera de las dos mediciones, en la luz o en la sombra, lo más probable es que me quedarán quemadas las luces y/o empastadas las sombras respectivamente. Por lo que usé una velocidad media entre las dos lecturas, pero ahora en modo manual. Queda probar estos mismos pasos cuando el contraste entre luces y sombras es más alto.

Llenar el encuadre

La situación más básica a la que nos enfrentamos al tomar una fotografía, es tener un único sujeto frente a nuestra cámara. En este caso, tenemos dos opciones: acercarnos para llenar el encuadre, o alejarnos para incluir parte del entorno.

Y de que nos podríamos valer para tomar la decisión:

Primero, el contenido de la imagen; puesto que mientras más espacio ocupa el sujeto en nuestra fotografía, mas detalles podrá mostrar, y si es algo inusual o importante, tenderemos a llenar el encuadre con el. Por consiguiente, si el entorno es muy familiar, tal vez no valdrá la pena incluirlo.

Otro aspecto es la relación sujeto-entorno; ya que, si es importante para el contenido de la imagen o para situar al sujeto en un contexto, deberemos de incluirlo.

Un tercer aspecto es la relación subjetiva espectador-sujeto; si la presencia es importante y conviene que el sujeto domine la escena, entonces acercarlo al espectador llenando el encuadre puede resultar razonable.

Con todo, no debemos olvidar que hay cuestiones técnicas involucradas también, como la longitud focal, la escala del sujeto, etc.

Sin embargo, en la mayoría de las fotografías de un solo sujeto, el foco de atención no llena todo el encuadre, ya que podríamos correr el riesgo de que la vista pueda sentirse incomoda al concentrarse en puntos muy cerca de los bordes; a menudo se necesita un espacio libre alrededor para moverse sin restricciones.

Bibliografía consultada: “El ojo del fotográfo” de Michael Freeman.