Llenar el encuadre

La situación más básica a la que nos enfrentamos al tomar una fotografía, es tener un único sujeto frente a nuestra cámara. En este caso, tenemos dos opciones: acercarnos para llenar el encuadre, o alejarnos para incluir parte del entorno.

Y de que nos podríamos valer para tomar la decisión:

Primero, el contenido de la imagen; puesto que mientras más espacio ocupa el sujeto en nuestra fotografía, mas detalles podrá mostrar, y si es algo inusual o importante, tenderemos a llenar el encuadre con el. Por consiguiente, si el entorno es muy familiar, tal vez no valdrá la pena incluirlo.

Otro aspecto es la relación sujeto-entorno; ya que, si es importante para el contenido de la imagen o para situar al sujeto en un contexto, deberemos de incluirlo.

Un tercer aspecto es la relación subjetiva espectador-sujeto; si la presencia es importante y conviene que el sujeto domine la escena, entonces acercarlo al espectador llenando el encuadre puede resultar razonable.

Con todo, no debemos olvidar que hay cuestiones técnicas involucradas también, como la longitud focal, la escala del sujeto, etc.

Sin embargo, en la mayoría de las fotografías de un solo sujeto, el foco de atención no llena todo el encuadre, ya que podríamos correr el riesgo de que la vista pueda sentirse incomoda al concentrarse en puntos muy cerca de los bordes; a menudo se necesita un espacio libre alrededor para moverse sin restricciones.

Bibliografía consultada: “El ojo del fotográfo” de Michael Freeman.

Píxeles

Si pensamos que una cámara es mejor porque tiene mayor cantidad de megapixeles, estamos en un error. Puesto que la cantidad de píxeles de una cámara, tendrá incidencia solo en el "revelado" de las imágenes. Así, una con muchos megapixeles se verá mejor en la pantalla y en papel, pero no garantiza que serán mejores fotografías.

El sensor de la cámara captura las imágenes por medio de una matriz de elementos sensibles a la luz, llamados píxeles. Esta matriz está compuesta por líneas y columnas, como un mosaico en el que cada pieza aporta un color y un pequeño fragmento de una imagen. El tamaño de los píxeles varia en función del soporte en el que se visualiza la imagen. El monitor de un pc está formado por píxeles de un determinado tamaño, distinto del tamaño de los píxeles con que funcionan las impresoras. La unidad mas usada para representar la resolución, o sea el tamaño de los píxeles, es el DPI, puntos por pulgada en español, y hace referencia  a los puntos que una impresora puede imprimir en papel. Un número mayor de píxeles generaría imágenes más detalladas y de contornos más precisos.

Cuanto mayor sea la imágen en píxeles, mayor será su tamaño en megabytes.

Con todo, cuando se pregunte por la cantidad de píxeles que necesite, primero debe saber cuál es la principal finalidad de la foto. Para visualizarla en el monitor basta con 75 DPI, pero las fotos que vayan a pasar por algún laboratorio para imprimirlas en papel fotográfico deberán ser capturadas con una resolución de 300 DPI.

Veamos esto  con un ejemplo:

supongamos que tenemos una imágen de 640x480 px. Si la visualizamos en un monitor con resolución de 72 DPI, tendremos que dividir los 640 de anchura entre los 72 de resolución para obtener la anchura de la imágen:

640/72=8,88 pulgadas o 22 cm

480/72=6,66 pulgadas o 16,94 cm

¿cuál sería el tamaño de la misma foto, impresa a 300 DPI?

640/300=2,13 pulgadas o 5,41 cm

480/300=1,6 pulgadas o 4,06 cm

Entonces, para una misma cantidad de píxeles, si necesito la imágen para verla en el monitor, ésta quedará de 22x17  cm, y si la necesito para una impresión debo hacerla de 5x4 cm, de lo contrario se verían los píxeles en el papel.

Debemos, saber de antemano para que queremos nuestras fotografías, y de acuerdo a ello, determinar a cuantos píxeles debemos tomarla o revelarla. Teniendo esto en cuenta, ya no pensaremos en que una cámara de más megapíxeles es mejor.

Luces y sombras

Es genial usar la luz al costado, a parte que no ocasiona los tan feos ojos rojos, tiene otra particularidad: de tridimensionalidad. En efecto, usar el flash en un eje distinto al de la cámara, otorga a nuestras fotos, una característica distinta, les da profundidad, como en esta fotografía. En fin, deseo alentarlos a separar esta fuente de iluminación, bueno cuando sea posible, de nuestra cámara, hacer la prueba, estudiar estas luces y leer strobist en español.

Escribiendo con luz

La velocidad lenta nos permite escribir con la luz de una linterna. En efecto, en el caso de la imágen de arriba usé una velocidad de 15 seg, así puedo escribir en la oscuridad y ni siquiera me veo. Con más práctica y con una velocidad más lenta, es posible crear un párrafo, creo yo. Para esta fotografía usé un trípode, fije el diafragma en f3.5, y la tomé con un disparador remoto. La dificultad radica en que debemos escribir el texto al revés, para que en la fotografía aparezca bien escrito. En resumen, un interesante reto, en que con imaginación puede hacerse cualquier cosa.

Flash a alta velocidad

Estoy muy claro que el flash no es solo para usarlo en la noche, o en lugares oscuros. Podemos creativamente, tenerlo a nuestra disposición. En la imágen de arriba, quise usar el flash contra el sol, este último se ubica a la izquierda, por fuera del encuadre. Pero, esta vez he usado el flash a alta velocidad, ya que deseaba congelar el momento en que el sujeto salta, lo logre en parte, puesto que la mano, por ejemplo, aparece en movimiento. Para el uso del flash debemos poner la velocidad de sincronización de nuestra cámara, es un valor que permite al flash iluminar mientras las cortinillas están abiertas, Pero, que pasa si queremos usar una velocidad superior, debemos decirle al flash que dispare varios pulsos mientras las cortinillas permanezcan abiertas y hacen un barrido, asegurando que en todo momento las cortinillas vean luz. Esto, produce más desgaste de las pilas, y el único inconveniente es que el flash debe estar conectado a la zapata de la cámara, ya sea directamente, o por un cable alargador; es el único requisito, y configurar en el menú del flash, la sincronización a alta velocidad. Prácticamente, el sujeto en el aire se vería oscuro si no lo hubiera iluminado con el flash. Para esta fotografía usé la prioridad a la velocidad, f5.0, y una velocidad de 1/320 seg.

Blanco y negro

Existen varias técnicas, al menos que yo conozco, para transformar una fotografía al blanco y negro. Unas destructivas, porque después de generarlo, no se puede recuperar la imágen a color, y otras que no lo son. Personalmente, me gusta mucho una que paso a detallar:

primero, siempre trabajo en formato raw, con la foto ya revelada digitalmente en adobe Bridge, la abro con photoshop y duplico la capa, a esta última le aplico el filtro paso alto con radio de 3 pixeles; hecho esto cambio el modo de fusión a superponer. Recién, encima de las dos capas aplico la capa de ajuste blanco y negro, la mejoro según mi gusto. Después aplico otra capa de ajuste, esta vez de curvas, y en ésta dibujo una S, levantando los tonos claros y bajando los tonos oscuros. Con esto logro una imágen en blanco y negro más natural, más impresionante. Cada uno puede crear su propio sistema de virar al B&N, pero debemos estar de acuerdo que nunca perderá su atractivo.

Disfrutando

Esta fotografía, como cualquier otra, la tomé sin pensar que a alguien le gustaría, menos que ganaría un premio, menos todavía el primer lugar. Y así fue, ganó el primer lugar en un concurso on line, de Fotocine club Valparaíso, en que el tema era disfrutar de la vida, reflejada en las personas.
Hacer esta fotografía me enseña como puedo lograr que una imágen se destaque dentro de otras imágenes.