3 preguntas para saber si lleno el encuadre

A veces me pregunto si estaría bien llenar el encuadre con mi sujeto, aprendí que no siempre es factible.

Entonces, empecé a hacerme 3 preguntas para decidir si realmente deseo hacerlo:

1) deseo mostrar detalles únicos?, en este caso sí lleno el encuadre, puesto que la idea es mostrar algo que quizás a simple vista no es posible ver,

2) es el entorno importante?, en este caso verifico si el entorno le da más historia a la imagen, si es así me alejo para incluirlo, de lo contrario es mejor llenar el encuadre con el sujeto u objeto, y

3) deseo acercar al espectador a la foto?, puede que necesite que el espectador vibre con la imagen, en ese caso, trato de llenar el encuadre.

Sobretodo, aprender que un sujeto grande en el encuadre siempre impacta es una regla importante de saber.

También existen inconvenientes, como que el espectador podría sentir presión en un encuadre cerrado, terminando agobiado. Y a veces el sujeto no llena el encuadre de manera que añada información a la foto, por lo que no logramos el dramatismo que esperábamos.

Pero, por sobretodo, llenar el encuadre cambiará para siempre el sentido de nuestra foto y pudiera desvirtuar lo que el fotógrafo desea comunicar, por eso es importante que la justificación para llenarlo sea realmente poderosa.

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Poca nitidez también genera buenas fotos

Deje de buscar la nitidez de mis fotos.

Cuando era principiante la buscaba por sobretodo. Creía que eso era lo importante.

Con el tiempo, de tanto aprender y practicar, me di cuenta que la nitidez no era lo que debía buscar en mis imágenes. Mi mundo se abrió a otras posibilidades y realmente empecé a disfrutar de esto.

Por ejemplo, la foto del post, la tomé muy a la rápida, la idea era obtener una imagen de ella, y no me preocupé de mantener firme la cámara, además ella se movía, caminaba. Considero que el resultado es muy favorable, ella aparece muy bella, aunque el movimiento de la cámara, puede verse a simple vista.

Con esto derribé uno de los mitos que me guiaba desde que empecé y que me esforzaba por cumplir. Ahora soy más libre, y disfruto de la fotografía.

Te animo a practicar mucho, a probar lo que sirve y lo que no. Y por sobretodo a disfrutar. 

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Por qué dejar de usar los automatismos de mi cámara digital?

Por qué dejar los automatismos de mi cámara digital, si en realidad veo que mis fotos salen bien? Es la pregunta que muchos me hacen, espero responder acá.

Cada vez que voy por ahí y veo a otros fotógrafos, al menos yo creo que son fotógrafos porque portan sus cámaras, y miro sus equipos, fácilmente me doy cuenta si están usando el modo automático: el flash incorporado se levanta, tratando de compensar la poca luz ambiental.

No es que me disguste que usen los automatismos de la cámara, lo que me llama profundamente la atención es que derrochan creatividad, dejando que la cámara tome decisiones importantes en cuanto a exposición.

Y no obtienen el máximo provecho de su cámara digital.

Y claro, si tengo una gran cámara lo lógico es que obtenga de ella el máximo rendimiento. Por ejemplo, la foto de más abajo no podría hacerla. Lo más probable es que la cámara en automático, trataría de compensar lo oscuro de la escena, y no podría exponer en la forma que ya he pensado.

Entonces, te propongo que aprendas a usar los modos prioridad a la apertura, prioridad a la velocidad, y el modo manual. Solo así ocuparás todo tu potencial creativo, y tus fotos mejorarán muchísimo, al tomar el control del resultado final. Y hará una gran diferencia si realmente deseas convertir a la fotografía en un hobby serio en tu vida.

Revisa aquí: los modos de toda cámara.

Aprender que usar uno u otro, afectará al movimiento o al enfoque en tus fotos, es crucial. Si necesitas desenfocar el fondo, usa prioridad a la apertura, aprende los factores que afectan a la profundidad de campo, y logra una gran imagen.

O congela el movimiento de algunos objetos usando la prioridad a la velocidad.

 En fin, las posibilidades son muchas y la creatividad ilimitada.

Si vives cercano a mi ciudad, de seguro que te interesará mi taller presencial, donde te enseñaré a usar los modos manuales de tu cámara. Te aseguro que dejarás para siempre de usar el modo totalmente automático.

Si deseas más datos, descarga el mini ebook con los temas a tratar en el taller y el valor del mismo, aquí.

De todas formas te invito a seguir revisando mi blog, encontrarás la mayoría de mis aventuras fotográficas.

Te recuerdo que una fotografía es un recuerdo, de ti depende que sea memorable.

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Otra característica de la luz lateral que me encanta

La luz de costado modela y da tridimensionalidad.

En un post anterior vimos que la luz lateral genera mayor acutancia, por lo que nuestro ojo es capaz de ver más nitidez. Revisa aquí el post.

Otra de las características que me gusta mucho de la luz lateral, es que modela y da tridimensionalidad.

Recordemos que una imagen es bidimensional, solo vemos el alto y el ancho, pero podemos crear pistas visuales para que nuestro cerebro vea tres dimensiones, donde realmente no las hay.

Para crear un buen modelado y que sea tridimensional, te entrego 3 tips que yo uso:

1) primero, la luz del sol debe estar muy lateral, a medida que avanza por el cielo va creando diferentes efectos. Yo prefiero el de la tarde, por conveniencia personal nada más.

2) hago una medida de la luz, generalmente en medición puntual y a f8. 

3) cambio al modo manual, uso la velocidad que me dio en el punto anterior, y empiezo a bajar la luz ambiente hasta apagar lo que más pueda el fondo, cuidando que lo iluminado por el sol quede medianamente bien expuesto. 

La mayoría de las veces lo hago de la forma que te indico, me gusta crear, jugar, con las luces y las sombras, sobretodo generar un modelado que me inspire.

A veces tengo poco tiempo para realizar todo, pero siempre puedo tomar una foto como se me dé, y así aprender.

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Yo creo en el post procesado, y tú?

Mejorar una foto con el post proceso; tan válido como crear una pintura sobre una tela.

Cada vez pienso más en el post proceso de una imagen. No me considero un puritano de la fotografía, aunque me apego a ciertas ideas, pero no desecho las herramientas que ofrece la tecnología.

Aunque no resulto ser tan extravagante en esto, trato de usar lo justo y necesario, me gusta darle mas vida a mis fotos. Aprendo a sacar provecho de los programas de edición, y claro, algunos otros se dejan llevar en la experimentación, aunque a veces logran imágenes que impactan.

Aquí nuestro propio ego entra al juego. Solo debemos saber cuando deteneros para reflejar lo que deseamos en nuestras fotos. Yo creo recursos que me ayudan a generar fotos más encantadoras para quien las observa. No hago grandes cambios, los necesarios. Salvo que sea un montaje, o algo netamente irreal.

Pero, ojo, uso el formato RAW. Con éste logro un fotograma entero, y con el software apropiado, exprimo la esencia de la escena, hasta convertirla en lo que vi en mi mente.

Lee más sobre el formato RAW aquí.

Como un pintor, me imagino los colores, las luces, las sombras. El post proceso me ayuda en eso, a crear una obra, a conjugar los elementos artísticos. En realidad son como mi pincel. No se dibujar, ni pintar al óleo, menos acuarela. Solo dispongo de mi visión, la foto, y el post proceso.

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Poca luz, grandes fotos...

A veces con poca luz podemos tomar buenas fotos, experimentar es aprender desde lo genial.

Me encanta hacer fotos bien contrastadas. Donde la luz es el protagonista junto al sujeto u objeto. Un primer plano iluminado y un fondo apagado, genera una composición llamativa.

Sobretodo en conciertos o encuentros musicales, las luces propias de esos establecimientos, pueden ser muy buenos aliados al momento de fotografiar un evento.

Como la foto del post. La tomé en interior, aproveché la luz que incidía sobre los sujetos desde arriba, para crear un bonito efecto.

Eso sí, usé el modo manual. A f5.6 con 1/20 seg, e ISO 800. La distancia focal fue de 36 mm. Tuve que sostener muy firme la cámara para que no se moviera. Usé la medición evaluativa sobre la persona de la guitarra.

Todo esto sucede mientras mis ojos son capaces de ver casi toda la escena, puesto que el rango dinámico de mis ojos es superior al de la cámara.

En fin, siempre debemos buscar destacar con nuestras fotos. Lo mejor es aprender a usar los modos manuales de nuestra cámara.

Si deseas ver más de la secuencia de fotos del concierto, revisa aquí.

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Entendiendo la exposición fotográfica...

Bryan Petersen ha escrito un libro titulado “Entendiendo la exposición” que es altamente recomendable leer, si tú esperas aventurarte más allá de los automatismos de tu cámara digital para experimentar los modos manuales.

En éste, el autor ilustra los tres elementos que necesitan ser considerados cuando hablamos de exposición, englobados en “El triangulo de exposición”

Cada uno de estos tres aspectos del triangulo, están relacionados con la luz y como ésta interactúa entre ellos.

Los tres elementos son:

1.- ISO: es la medida de la sensibilidad del sensor de la cámara digital

2.- Apertura: el tamaño del diafragma, al tomar una fotografía

3.- Velocidad de disparo: el tiempo que el diafragma está abierto

Es la intersección de estos tres elementos la que determina una buena exposición.

Este autor usa la metáfora de la ventana para explicarlos. Yendo un poco más allá, yo uso la misma comparación, pero le agrego un cortinaje sobre aquella, que regulará el paso de luz hacia la habitación.

Entonces, la apertura es el tamaño de la cortina. Mientras más abierta esté, más luz entrará.

La velocidad de obturación es la cantidad de tiempo que la cortina permanece abierta. Un rato largo, entrará más luz.

Ahora imagina que estás dentro de la habitación, y que tienes puestos unos lentes de sol. Tus ojos llegan a desensibilizarse a la luz que entra (es como un valor ISO bajo).

Entonces, para incrementar la luz que entra a la sala, podrías abrir más las cortinas, mantenerlas más tiempo abiertas, o quitarte los anteojos de sol. Así estarás actuando sobre el valor de apertura, la velocidad de obturación, o sobre el valor del ISO, respectivamente.

Recuerda que cada uno de ellos afectará al otro, entonces si aumentas el tiempo que mantienes la cortina abierta, deberás cerrarla más para obtener la misma sala brillante.

Mi idea es que aprendas a usar tu cámara en modo manual, solo así incrementarás la calidad de tus fotos, y lo más importante, serás tú quien le de la impronta de única, a esa imagen.

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