3 preguntas para saber si lleno el encuadre

A veces me pregunto si estaría bien llenar el encuadre con mi sujeto, aprendí que no siempre es factible.

Entonces, empecé a hacerme 3 preguntas para decidir si realmente deseo hacerlo:

1) deseo mostrar detalles únicos?, en este caso sí lleno el encuadre, puesto que la idea es mostrar algo que quizás a simple vista no es posible ver,

2) es el entorno importante?, en este caso verifico si el entorno le da más historia a la imagen, si es así me alejo para incluirlo, de lo contrario es mejor llenar el encuadre con el sujeto u objeto, y

3) deseo acercar al espectador a la foto?, puede que necesite que el espectador vibre con la imagen, en ese caso, trato de llenar el encuadre.

Sobretodo, aprender que un sujeto grande en el encuadre siempre impacta es una regla importante de saber.

También existen inconvenientes, como que el espectador podría sentir presión en un encuadre cerrado, terminando agobiado. Y a veces el sujeto no llena el encuadre de manera que añada información a la foto, por lo que no logramos el dramatismo que esperábamos.

Pero, por sobretodo, llenar el encuadre cambiará para siempre el sentido de nuestra foto y pudiera desvirtuar lo que el fotógrafo desea comunicar, por eso es importante que la justificación para llenarlo sea realmente poderosa.

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Poca nitidez también genera buenas fotos

Deje de buscar la nitidez de mis fotos.

Cuando era principiante la buscaba por sobretodo. Creía que eso era lo importante.

Con el tiempo, de tanto aprender y practicar, me di cuenta que la nitidez no era lo que debía buscar en mis imágenes. Mi mundo se abrió a otras posibilidades y realmente empecé a disfrutar de esto.

Por ejemplo, la foto del post, la tomé muy a la rápida, la idea era obtener una imagen de ella, y no me preocupé de mantener firme la cámara, además ella se movía, caminaba. Considero que el resultado es muy favorable, ella aparece muy bella, aunque el movimiento de la cámara, puede verse a simple vista.

Con esto derribé uno de los mitos que me guiaba desde que empecé y que me esforzaba por cumplir. Ahora soy más libre, y disfruto de la fotografía.

Te animo a practicar mucho, a probar lo que sirve y lo que no. Y por sobretodo a disfrutar. 

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Por qué dejar de usar los automatismos de mi cámara digital?

Por qué dejar los automatismos de mi cámara digital, si en realidad veo que mis fotos salen bien? Es la pregunta que muchos me hacen, espero responder acá.

Cada vez que voy por ahí y veo a otros fotógrafos, al menos yo creo que son fotógrafos porque portan sus cámaras, y miro sus equipos, fácilmente me doy cuenta si están usando el modo automático: el flash incorporado se levanta, tratando de compensar la poca luz ambiental.

No es que me disguste que usen los automatismos de la cámara, lo que me llama profundamente la atención es que derrochan creatividad, dejando que la cámara tome decisiones importantes en cuanto a exposición.

Y no obtienen el máximo provecho de su cámara digital.

Y claro, si tengo una gran cámara lo lógico es que obtenga de ella el máximo rendimiento. Por ejemplo, la foto de más abajo no podría hacerla. Lo más probable es que la cámara en automático, trataría de compensar lo oscuro de la escena, y no podría exponer en la forma que ya he pensado.

Entonces, te propongo que aprendas a usar los modos prioridad a la apertura, prioridad a la velocidad, y el modo manual. Solo así ocuparás todo tu potencial creativo, y tus fotos mejorarán muchísimo, al tomar el control del resultado final. Y hará una gran diferencia si realmente deseas convertir a la fotografía en un hobby serio en tu vida.

Revisa aquí: los modos de toda cámara.

Aprender que usar uno u otro, afectará al movimiento o al enfoque en tus fotos, es crucial. Si necesitas desenfocar el fondo, usa prioridad a la apertura, aprende los factores que afectan a la profundidad de campo, y logra una gran imagen.

O congela el movimiento de algunos objetos usando la prioridad a la velocidad.

 En fin, las posibilidades son muchas y la creatividad ilimitada.

Si vives cercano a mi ciudad, de seguro que te interesará mi taller presencial, donde te enseñaré a usar los modos manuales de tu cámara. Te aseguro que dejarás para siempre de usar el modo totalmente automático.

Si deseas más datos, descarga el mini ebook con los temas a tratar en el taller y el valor del mismo, aquí.

De todas formas te invito a seguir revisando mi blog, encontrarás la mayoría de mis aventuras fotográficas.

Te recuerdo que una fotografía es un recuerdo, de ti depende que sea memorable.

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Otra característica de la luz lateral que me encanta

La luz de costado modela y da tridimensionalidad.

En un post anterior vimos que la luz lateral genera mayor acutancia, por lo que nuestro ojo es capaz de ver más nitidez. Revisa aquí el post.

Otra de las características que me gusta mucho de la luz lateral, es que modela y da tridimensionalidad.

Recordemos que una imagen es bidimensional, solo vemos el alto y el ancho, pero podemos crear pistas visuales para que nuestro cerebro vea tres dimensiones, donde realmente no las hay.

Para crear un buen modelado y que sea tridimensional, te entrego 3 tips que yo uso:

1) primero, la luz del sol debe estar muy lateral, a medida que avanza por el cielo va creando diferentes efectos. Yo prefiero el de la tarde, por conveniencia personal nada más.

2) hago una medida de la luz, generalmente en medición puntual y a f8. 

3) cambio al modo manual, uso la velocidad que me dio en el punto anterior, y empiezo a bajar la luz ambiente hasta apagar lo que más pueda el fondo, cuidando que lo iluminado por el sol quede medianamente bien expuesto. 

La mayoría de las veces lo hago de la forma que te indico, me gusta crear, jugar, con las luces y las sombras, sobretodo generar un modelado que me inspire.

A veces tengo poco tiempo para realizar todo, pero siempre puedo tomar una foto como se me dé, y así aprender.

Si tienes algo que agregar, o tienes otros tips, usa el formulario de contacto, con gusto te contestaré.

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Yo creo en el post procesado, y tú?

Mejorar una foto con el post proceso; tan válido como crear una pintura sobre una tela.

Cada vez pienso más en el post proceso de una imagen. No me considero un puritano de la fotografía, aunque me apego a ciertas ideas, pero no desecho las herramientas que ofrece la tecnología.

Aunque no resulto ser tan extravagante en esto, trato de usar lo justo y necesario, me gusta darle mas vida a mis fotos. Aprendo a sacar provecho de los programas de edición, y claro, algunos otros se dejan llevar en la experimentación, aunque a veces logran imágenes que impactan.

Aquí nuestro propio ego entra al juego. Solo debemos saber cuando deteneros para reflejar lo que deseamos en nuestras fotos. Yo creo recursos que me ayudan a generar fotos más encantadoras para quien las observa. No hago grandes cambios, los necesarios. Salvo que sea un montaje, o algo netamente irreal.

Pero, ojo, uso el formato RAW. Con éste logro un fotograma entero, y con el software apropiado, exprimo la esencia de la escena, hasta convertirla en lo que vi en mi mente.

Lee más sobre el formato RAW aquí.

Como un pintor, me imagino los colores, las luces, las sombras. El post proceso me ayuda en eso, a crear una obra, a conjugar los elementos artísticos. En realidad son como mi pincel. No se dibujar, ni pintar al óleo, menos acuarela. Solo dispongo de mi visión, la foto, y el post proceso.

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Poca luz, grandes fotos...

A veces con poca luz podemos tomar buenas fotos, experimentar es aprender desde lo genial.

Me encanta hacer fotos bien contrastadas. Donde la luz es el protagonista junto al sujeto u objeto. Un primer plano iluminado y un fondo apagado, genera una composición llamativa.

Sobretodo en conciertos o encuentros musicales, las luces propias de esos establecimientos, pueden ser muy buenos aliados al momento de fotografiar un evento.

Como la foto del post. La tomé en interior, aproveché la luz que incidía sobre los sujetos desde arriba, para crear un bonito efecto.

Eso sí, usé el modo manual. A f5.6 con 1/20 seg, e ISO 800. La distancia focal fue de 36 mm. Tuve que sostener muy firme la cámara para que no se moviera. Usé la medición evaluativa sobre la persona de la guitarra.

Todo esto sucede mientras mis ojos son capaces de ver casi toda la escena, puesto que el rango dinámico de mis ojos es superior al de la cámara.

En fin, siempre debemos buscar destacar con nuestras fotos. Lo mejor es aprender a usar los modos manuales de nuestra cámara.

Si deseas ver más de la secuencia de fotos del concierto, revisa aquí.

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Entendiendo la exposición fotográfica...

Bryan Petersen ha escrito un libro titulado “Entendiendo la exposición” que es altamente recomendable leer, si tú esperas aventurarte más allá de los automatismos de tu cámara digital para experimentar los modos manuales.

En éste, el autor ilustra los tres elementos que necesitan ser considerados cuando hablamos de exposición, englobados en “El triangulo de exposición”

Cada uno de estos tres aspectos del triangulo, están relacionados con la luz y como ésta interactúa entre ellos.

Los tres elementos son:

1.- ISO: es la medida de la sensibilidad del sensor de la cámara digital

2.- Apertura: el tamaño del diafragma, al tomar una fotografía

3.- Velocidad de disparo: el tiempo que el diafragma está abierto

Es la intersección de estos tres elementos la que determina una buena exposición.

Este autor usa la metáfora de la ventana para explicarlos. Yendo un poco más allá, yo uso la misma comparación, pero le agrego un cortinaje sobre aquella, que regulará el paso de luz hacia la habitación.

Entonces, la apertura es el tamaño de la cortina. Mientras más abierta esté, más luz entrará.

La velocidad de obturación es la cantidad de tiempo que la cortina permanece abierta. Un rato largo, entrará más luz.

Ahora imagina que estás dentro de la habitación, y que tienes puestos unos lentes de sol. Tus ojos llegan a desensibilizarse a la luz que entra (es como un valor ISO bajo).

Entonces, para incrementar la luz que entra a la sala, podrías abrir más las cortinas, mantenerlas más tiempo abiertas, o quitarte los anteojos de sol. Así estarás actuando sobre el valor de apertura, la velocidad de obturación, o sobre el valor del ISO, respectivamente.

Recuerda que cada uno de ellos afectará al otro, entonces si aumentas el tiempo que mantienes la cortina abierta, deberás cerrarla más para obtener la misma sala brillante.

Mi idea es que aprendas a usar tu cámara en modo manual, solo así incrementarás la calidad de tus fotos, y lo más importante, serás tú quien le de la impronta de única, a esa imagen.

Si tienes dudas, déjame un comentario en la entrada, o usa el formulario de contacto.

Modificando la iluminación solo del flash..

Queda modificar la luz del flash, pero no la ambiental. Requiere un poco más de práctica, pero aquí vamos.

Te recomiendo que antes leas: modificando la luz ambiente y la del flash simultáneamente, y como modificar solo la luz ambiente.

Entonces, mantenemos constantes dos factores, el valor ISO, y la potencia del flash, y asumimos que la focal y la distancia al sujeto u objeto siempre es la misma.

Lo que primero haremos será ajustar la apertura, que afectará a los dos, y compensamos la parte ambiental, modificando la velocidad de obturación en el otro sentido. 

En la foto del ejemplo, empecé tirando a f11 y a 1/13 seg, como encontré que aún el flash estaba quedando corto, ajuste la apertura a f8, con esto permití que entrara más flash, pero también más ambiente, así que compensé llevando la velocidad hasta el paso siguiente, 1/25 seg, logrando que la luz de la ventana permaneciera igual. 

Por un lado dejé entrar más luz por la apertura, pero quite a su vez, por la velocidad de obturación.

Como aún consideraba que quedaba corto el flash, abrí el diafragma a f5.6, y compensé a 1/50 seg. El resultado? Mejoré la exposición de las hojas y mantuve considerablemente la de la ventana de atrás.

Aprendiendo y practicando estas 3 maneras de controlar la luz desde la cámara, estaremos en condiciones de cumplir cualquier reto, sobretodo cuando queremos un flash que recargue rápido y que nos duren más las baterías. Es decir, procuramos que el flash "no se canse tanto".

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Como la velocidad de apertura modifica la iluminación ambiental

Sigamos aprendiendo a controlar la luz desde la cámara, ahora vamos a regular solo la luz ambiente, en el post anterior vimos como regular la luz ambiente y el flash simultáneamente.

Si movemos la velocidad de obturación entonces modificaremos solo la luz ambiente, y la del flash quedará igual. 

Sirve sobretodo cuando usamos al flash como luz principal, y la del ambiente como secundaria. Por ejemplo, cuando decidimos hacer un retrato bajo una ventana, regulamos la cantidad de la luz ambiental que nos ayudará a realizar el retrato.

Como la foto del post, la luz ambiente empieza a inundarlo todo mientras se hace más lenta la velocidad de obturación. A veces dependiendo del valor, se hará necesario usar un trípode, o un lugar en que situar la cámara.

En las fotos, la apertura se mantuvo constante, al igual que el valor del ISO. Nótese que el primer plano siempre conserva la iluminación del flash rebotado en el techo de la habitación.

Con esto, aprendemos a controlar la luz desde la cámara en caso de usar un flash y la luz ambiente. Nos queda por controlar un solo parámetro, en el siguiente post.

Modificar la apertura, afecta al flash y al ambiente

Usar flash es muy útil para equilibrar las luces y las sombras en una escena. Sin embargo, deberás tener ciertas precauciones al mover la apertura.

Una vez que usamos flash en nuestras fotos, debemos saber como le afectarán a las fuentes de luz el mover los parámetros de la cámara.

En este caso, mover la apertura provocará que la intensidad de ambas luces se modifique, es decir, aumentar o disminuir las fuentes de iluminación a la vez.

Lee también: Uso del flash para equilibrar luces

Como en la foto que adjunta el post. La misma situación de la escena. Una se tomó con f5.6 de apertura, y la otra se cerró a f10. Flash apuntando al techo de la habitación.

Puede verse que el fondo se apaga, al igual que el primer plano.

Conocer como los diferentes parámetros modifican nuestra foto es crucial, sobretodo si tenemos dos fuentes de luz tan distintas como las mencionadas. 

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Aprende a equilibrar la luz de exterior con la del interior...usando el flash

Equilibrar la iluminación entre el exterior y el interior de la habitación es muy fácil si la próxima vez tomas en cuenta lo siguiente.

Recordemos que nuestra cámara no es capaz de mostrar detalle en la foto, cuando el contraste entre las luces y las sombras, es muy alto.

Generalmente en estos casos, siempre nos saldrá algo oscuro, o alguna parte muy quemada.

Una forma de equilibrar las iluminaciones tan distintas es usar el flash para "alumbrar" aquello que saldría más oscuro. Como en la foto, en que expuse para el exterior. El interior quedaba oscuro y no mostraba detalles. Un flash externo rebotado en el techo de la habitación me ayudó.

Para aprender sobre rango dinámico..... lee también: El concepto de gama dinámica  

Después de varias pruebas, encontré la mejor exposición para ambas situaciones, una para el exterior, y otra para el interior. Qué hice en definitiva? igualé, equilibré, las iluminaciones, para que se ayudarán y me entregarán una mejor foto.

En el próximo post, te enseñaré a controlar ambas iluminaciones desde la cámara, al estilo strobist.

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La mejor manera de ganar nitidez en tus fotos...

Lograr nitidez en nuestras fotos  es mucho más fácil de lo que crees.

Lo que realmente hacemos es lograr una mayor acutancia.

Acutancia es el mayor o menor contraste que podemos ver en una imagen, sobretodo en el límite entre una zona clara y otra más oscura. Así a mayor acutancia, es mayor la nitidez que percibimos en la imagen.

El ojo humano, es capaz de distinguir mayores detalles cuando el contraste es mayor.

Entonces, la mejor forma de mejorar la acutancia de una foto, es hacerla con una iluminación de costado. Con ello aumentamos la percepción de nitidez, y vemos mejores detalles.

 Y resulta para cualquier iluminación de costado? Yo diría si. Es lo mismo si separamos el flash de la cámara, claro que debemos cuidar que no se genere demasiado contraste, otro flash sería de gran ayuda.

Así que la próxima vez que decidas tomar una foto en exteriores, trata de hacerlo cuando el sol se encuentre de costado, mejorará notablemente la nitidez, sin cambiar el lente del kit que tanto nos sirve.

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Contar historias, lo genial de la fotografía....

Y cuento historias. La posibilidad de la fotografía es muy amplio.

Claro, dado el tiempo que llevo haciendo fotos, he adquirido experiencia a la hora de ver una escena que me llame la atención.

A veces es algo trivial, como la siesta del personaje de la foto, otras veces algo más elaborado.

Toparse con una escena que cuente algo, a veces es difícil, y no tanto porque no existan, sino porque no la vemos a simple vista, puesto que requiere entrenar el ojo un poco, y la forma de pensar en imágenes.

Sobretodo cuando fui principiante, jamás se me ocurrió que podría contar algo tan solo con una foto, o lo que es igual, hacer que el espectador se imagine una historia tan solo con una foto.

Pero se aprende, y una vez que se hace, ya no se vuelve atrás, se piensa y se ve en imágenes.

Con esto creo una obra para ti, para que estés feliz con el resultado, para que te sientas satisfecha, o satisfecho, y entiendas que esa imágen habla por ti. 

Recuperando fotografías antiguas

Restaurar una foto, un arte en sí mismo.

Cada restauración es una forma de arte particular, asimismo como se restauran las valiosas vasijas encontradas en Egipto.

Una foto para restaurar es un tesoro de una época anterior, quizás varios años atrás, que llega a mis manos. Y como tal es el proceso, delicado y detallista, para que emerja la nitidez y el contorno, muchas veces perdido por el paso de los años.

Si necesitas restaurar una foto, te aseguro, claro que previamente deberé chequear el estado de deterioro, una imágen reluciente después de pasar por "el taller".

Una de las cosas que me encanta de la fotografía es la de recuperar escenas pasadas, no dejes que se pierdan para siempre.

Si necesitas restaurar algunas de tus fotos, envíame un escáner de la misma a mi correo, y previo chequeo, te diré cuánto es posible recuperar.


fotografiasraulfg@gmail.com

Emocionar, fin último de mis fotos...

Fotografiar es más que el uso de una buena técnica, se trata de captar emociones, gestos.

Aprender la técnica es imprescindible. Saber componer es crucial para una buena foto, pero aprender a capturar emociones o gestos, que den algo que pensar al espectador, es algo único.

Mi tarea es que al menos alguien se pregunte, que hay más allá de la imagen? 

Sin embargo, mi gran oportunidad es que cuando veas mis fotos, te identifiques con la emoción que trato de mostrar, que supongas lo que el sujeto está sintiendo o pensando, al igual que lo hice yo. Y créeme, eso no es fácil.

Lee también: La fotografía como filosofía.

Tampoco imposible, requiere sintonizar mis propias emociones, sentirme exuberante detrás de mi cámara, y apasionarme por el momento justo de obturar.

Y lo más importante: disfrutar.

Si quieres conocerme más, haz clic aquí.

Te ofrezco una experiencia, más que una foto...

A veces necesitamos nuevas ideas para fotografiar.

Me encanta explorar nuevas formas de hacer fotos. Es una tremenda oportunidad de seguir aprendiendo, y de ofrecer otras alternativas a quien me contrate.

La idea es crecer fotográficamente hablando, y obtener nuevas ideas, sobretodo cuando paso por un período de sequía creativa.

El solo hecho de separar el flash de la cámara ya es innovar, pero requiere probar también, puesto que manejarme con la intensidad del flash es un poco engorroso al principio. Fotos sobreexpuestas es lo más que conseguí, hasta que aproveché el reto, y aprendí. Hoy me cuesta menos.

Ofrecer una experiencia más que una foto, es mi meta. Me preparo para eso. Tanto fotógrafo y fotografiado, deben disfrutar y conectarse. De seguro que es la instancia máxima que da como resultado grandes fotografías, y de eso quiero empaparme.

Revisa mi experiencia fotográfica aquí.

Apagando el fondo con la velocidad de obturación

Usando la velocidad de obturación, podemos virtualmente, apagar el fondo.

A veces deseamos que nuestras fotos realcen un primer plano iluminado, y un fondo oscuro, como apagado. Con una iluminación de costado, y siempre que ese fondo este cayendo hacia las sombras, es posible realizarlo, usando una velocidad de obturación alta.

Siempre que elevamos la velocidad de obturación, estamos en definitiva quitando luz ambiente a la escena. Si eso lo combinamos con las indicaciones del párrafo anterior, logramos una imágen como la que acompaña al post.

La velocidad usada fue de 1/500. Lo que estaba muy iluminado por el sol aparece claramente. Lo demás casi en penumbra. Una velocidad más lenta, habría mostrado el fondo más claro, pero de seguro que el primer plano estaría algo quemado, o podría compensar con el diafragma.

Convertirla al blanco y negro acentúa el efecto que deseaba lograr: un sujeto un tanto claro sobre un fondo oscuro.

Conocer como afectan a nuestras fotografías los parámetros que escogemos es crucial. Solo practicar nos asegura que lograremos lo que deseemos en nuestras fotos, la mayoría de las veces.

Realizar una foto macro y no morir en el intento

Has querido realizar una foto en que puedas ver algo que no es fácil a simple vista? Deberías pensar en la macro fotografía. Aquí te lo explico.

Macro fotografía es retratar un insecto, o un bicho, para después verlo en tu pantalla a todo tamaño. O algo pequeño, como un alfiler, por ejemplo.

No es tarea fácil, pero tampoco difícil, debes tener los elementos apropiados. Un lente macro vendría genial.

A falta de aquel, una buena idea es usar los anillos o tubos de extensión. Es lo que yo hago. Son anillos huecos sin ópticas, lo que hacen es reducir la distancia mínima de enfoque. Van colocados entre el lente y el cuerpo de la cámara.

Tienen varios inconvenientes, como no indicar la apertura que estamos usando, por lo que debemos generar un mayor enfoque acercando o alejando la cámara del sujeto u objeto. 

Puedes leer más sobre los anillos aquí.

En fin, haciendo acopio de nuestro amor por la fotografía, y de éstos anillos, mediante el aprendizaje del prueba y error, podemos crear maravillosas imágenes que nos extasiarán cuando las veamos.

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Salida fotográfica

He planeado una salida fotográfica para el día sábado  12 de julio. La idea es que vaya quien lo desee, que tenga ganas de aprender a usar la cámara en modo manual. Nos juntaremos en Viña, en la plaza México. Explicaré algunos conceptos, y empezaremos a tomar fotografias. De ahí caminaremos a la plaza que se ubica alrededor del casino.

El requisito, que deseo cumplan, es que sepan muy bien el manual de sus cámaras, porque trabajaremos directamente sobre los controles manuales de la misma, con el fin de dejar de usar para siempre los automatismos.

Debe ser a las 10 de la mañana, para que tengamos oportunidad de usar algo de la iluminación solar de costado.

En esta primera oportunidad veremos manejo de cámara y como realizar una buena exposición fotográfica.

Creo que estaría demás indicar que la actividad es totalmente gratuita, solo disfrutemos juntos de esta actividad.

Si te apasiona la fotografia tanto como a mi, entonces nos vemos ese día.

Mi revelado digital

Desde que me dedique más seriamente a la fotografía, he usado el formato Raw. Una de los inconvenientes es que necesita ser revelado digitalmente, y el uso obligado de software para ese cometido. Existen varios, mi cámara trae el suyo propio. Unos de pago, otros gratis pero con restricciones. Incluso en mi ipad tengo uno.

Y dado que necesito usar un revelador, llegué al Photoshop. Aunque es mucho más que eso.

Y he aprendido a usarlo, haciendo montajes y retoques. 

Nunca he sentido esa presión de que me mis fotos dejen de ser reales, por usar el retoque. Aunque no lo hago muy seguido, ni en gran cantidad, como para que resulte una foto irreal.

Tampoco siento que tranagredo alguna ley que me condene como fotógrafo.

Generalmente el uso del photoshop se asocia a engaño, muchos retoques hacen cambiar el escenario original, incluso a las personas.

Y como consecuencia de usarlo para el trabajo fotográfico, empecé a meterme en ese mundo también. A revisar tutoriales y a usar mis propias fotos en ellos.

En fin, uso el Photoshop para casi todo. Creo que un retoque bien hecho, nadie debería notarlo. 

En la foto de arriba, el gato está más saturado, tiene más color que el resto. Lo hice usando una máscara de capa, tono y saturación. Pero, el gatuno es el único que se afectó, lo demás quedó fuera para que mantuviera el color apagado, y no resaltara sobre lo otro.